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Roberto Bolaño y Benjamin Labatut, escritores chilenos destacados por el NYT

El medio estadounidense consultó a 503 novelistas, escritores de no ficción, poetas y críticos. “2600” y “Los detectives salvajes” de Roberto Bolaño, y “Un verdor terrible” de Benjamín Labatut fueron los títulos chilenos escogidos.

Diario UChile

Quedan pocos meses para que el siglo XXI cumpla sus primeros 25 años. Un primer cuarto de siglo que ya nos ha entregado una serie de películas, discos y libros de enorme impacto cultural.

Es en ese contexto que el medio estadounidense The New York Times conversó con un total de 503 novelistas, escritores de no ficción, poetas, críticos y amantes de la literatura para definir los 100 mejores libros de nuestro tiempo, donde las letras chilenas tuvieron una considerable valoración ingresando incluso al top 10.

Y es que la lista del prestigioso diario anglosajón ubicó tres títulos nacionales en el ranking: “2666” y “Los detectives salvajes” de Roberto Bolaño, y “Un verdor terrible“, traducido al inglés con el título “When we cease to understand the world”, de Benjamín Labatut. Estos, ubicados en el número 6, 38 y 83, respectivamente.

“2666”, la robusta ficción póstuma de Bolaño, fue descrita por el NYT como una “febril y vertiginosa novela” que crea “un mundo entero gobernado en partes iguales por el aburrimiento y el horror más profundo”. “En la impecable traducción de Natasha Wimmer, la novela de Bolaño es profunda, misteriosa, efervescente y vertiginosa: al leerla, pasas de sentirte como un observador de tornados a sentirte arrastrado por el vórtice, y finalmente sospechas que tú mismo”, se lee en el ranking.

Por su parte, de “Los detectives salvajes“, acaso el clásico indiscutible de la pluma del chileno, el medio citó al escritor peruano Daniel Alarcón, quien afirmó que se trata de una historia “atrevida, hilarante, hermosa y conmovedora. También tiene más de 600 páginas, por lo que sé que mi recuerdo de haberlo leído de una sola vez definitivamente no es cierto. Aún así, el hecho de que se sienta de esa forma es revelador. No era el mismo escritor que había sido antes de leerlo, ni la misma persona. Arturo Belano y Ulises Lima se convirtieron en héroes personales, y todo lo que he escrito desde entonces ha sido moldeado por la obra maestra de Bolaño”.

La inclusión de “Un verdor terrible” también resulta más que coherente. Tras su publicación el 2020, la ficción científica de Labatut se transformó en todo un fenómeno editorial, conquistando la buena crítica de la prensa especializada, instalándose en la lista final del Booker Prize Internacional y agotando ediciones en varias librerías del país.

“No es necesario saber nada sobre teoría cuántica para comenzar a leer este libro, un retrato grupal de genios atormentados profundamente investigado y exquisitamente imaginado”, definió el crítico estadounidense A. O. Scott consultado por el NYT. “Al final, sabrás lo suficiente como para estar aterrorizado. Labatut está interesado en cómo la búsqueda de certeza científica puede conducir a estados de agitación psicológica y espiritual extrema, o surgir de ellos. Sus personajes (Niels Bohr, Werner Heisenberg y Erwin Schrödinger, entre otros) descubren un universo que desafía la comprensión racional. Después de ellos, ‘el método científico y su objeto ya no podían ser separados’. Puede parecer abstracto, pero en manos de Labatut la historia de la física cuántica es violenta, llena de suspenso y, en última instancia, desgarradora”.

Revisa a continuación el top 10 del NYT de los mejores libros del siglo XXI:

  1.  “La amiga estupenda”, Elena Ferrante.
  2.  “El calor de otros soles”, Isabel Wilkerson.
  3.  “En la corte del lobo”, Hilary Mantel.
  4.  “El mundo conocido”, Edward P. Jones.
  5.  “Las correcciones”, Jonathan Franzen.
  6.  “2666”, Roberto Bolaño.
  7.  “El ferrocarril subterráneo”, Colson Whitehead.
  8.  “Austerlitz”, W. G. Sebald.
  9.  “Nunca me abandones”, Kazuo Ishiguro.
  10.  “Gilead”, Marilynne Robinson.

Por: Diario UChile

Julio 14, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

Imagen Nano Acevedo

El cantautor presentará su libro en el que realiza una compilación de 146 canciones de su autoría, misma jornada en la que se he hará un homenaje a la mítica “Peña Javiera” fundada por Acevedo en plena dictadura.

Diario UChile

Nano Acevedo, uno de los más emblemáticos cantautores nacionales de raíz folclórica, lanzará el miércoles 24 de julio su libro “60 años de canciones y rebeldías” (2024). La obra, que compila los textos de 146 canciones de su autoría, da cuenta de una holgura temática y una variedad de estilos poéticos que transitan desde estructuras tradicionales, hasta formatos más libres de versificación.

En palabras del destacado poeta y payador, Hugo González Hernández, prologuista del texto: “Hablamos en este libro de una mirada integral sobre el cuerpo y el alma de Chile. La diversidad de estos poemas-canciones hace frente con oficio a un nutrido abanico de temáticas: la patria, los amores, los sueños personales y las luchas colectivas, el pueblo sencillo y digno, la naturaleza en todo su esplendor. Nano Acevedo es un viajero lírico del territorio, y a través de su obra nos invita a vivenciar con todos los sentidos la esencia de nuestra tierra.”

Acevedo es autor de canciones que forman parte de la historia y del ideario musical y poético de Chile. Entre las más reconocidas se encuentran “Oda a mi guitarra”, ganadora del Festival de la OTI (1977), “Rin del amor”, y los temas “Yo vivo entre dos amores”, “Benaiga la suerte, Rosa”, “Ay de mí”, “Para cantarle al sol” y “Está naciendo una raza”, todos finalistas en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. Además de su patrimonio musical reconocida es también su labor gremial, de hecho, es uno de los fundadores de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor – SCD, hoy llamada Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales.

Esta sensibilidad social heredera, en parte, de su precaria niñez en la calle San Diego, se aprecia en las temáticas que aborda en algunas de sus composiciones en donde expresa las vivencias del niño que comenzó a trabajar a los once años cuidando automóviles en un barrio rico en expresiones de cultura popular. “Siempre amé a mi antiguo barrio San Diego, lo recuerdo como una aldea poética, junto a los personajes de la infancia y la dosis necesaria de magia que ellos otorgaron a mi escritura y mi arte…”, recuerda Nano, quien junto a destacadas/os artistas nacionales fue también parte importante del “Tren Popular de la Cultura”, iniciativa que apoyó la candidatura a la presidencia de Salvador Allende (1971).

“He visto pasar generaciones de músicos, cantantes y compositores. Empecé con Roberto Inglés en Radio Portales, con Valentín Trujillo, luego con René Largo Farías en la Peña ‘Chile Ríe y Canta’. Fui elenco con Silvia Urbina, Rolando Alarcón, Richard Rojas, Héctor Pavez. De todos aprendí, especialmente de Sofanor Tobar y Kiko Álvarez. Mis 60 años de canciones y rebeldías han sido como un viaje en tren, con estaciones de dolor, abandono, remordimiento, como también de dicha, alegrías y orgullo. Trabajé toda mi vida, generalmente nadando río arriba. Levanté espacios de expresión artística en tiempos de dictadura y represión. Y sigo creando, sigo viviendo”, expresa el cantautor.

Junto al lanzamiento del libro “60 años de canciones y rebeldías” se realizará, en la misma jornada, un concierto homenaje a la mítica “Peña Javiera” fundada por Acevedo en plena dictadura. “Abrimos en 1975 y se llenó. Fueron don Roberto Parada, Magaly Rivano, Alejandro Cohen, Jorge Yáñez con Los Moros, y conocí a Capri, una cantante que interpretaba canciones de Serrat y me di cuenta de que podría ir bien con mis temas. Trabajamos juntos un tiempo, ganamos el festival de la OTI en 1977… En la peña teníamos un tremendo espectáculo, en el que además del elenco estable actuaban Aquelarre, Margot Loyola, Gabriela Pizarro, Chamal, Pedro Yáñez, Roberto Parra y Catalina Rojas, Quipamán, Tradición, Alfredo Labbé, Mario Lanas”, el cantor Ño Jacinto y tantos nombres que se me escapan. Invité a Eduardo Peralta y llegó a los diecisiete años, estuvo cantando un buen tempo en la Javiera. Isabel Aldunate también creció mucho (…)”, relata el cantautor en su libro “El niño de la calle San Diego” (2018).

En el lanzamiento del libro y concierto, que se llevará a cabo el miércoles 24 de julio, a las 19:30 horas, en la Sala SCD de Plaza Egaña ubicada en Avenida Larraín 5862 (cuarto piso), presentarán su saludo poético-musical: Pedro Yáñez, Julio Serey, Cecilia Astorga, Hugo González Hernández, Eduardo Peralta, Norma Medina, Francisco Villa, María Eugenia Zúñiga, Raúl Salinas, Marcela Moreira, Alejandro Masmar, Manuel Sánchez, Pachy Rojas, Berenice Ojeda, Esteban Escalona. Asimismo, estarán presentes los grupos: “Alturas”, “Chamal”, “Canto Libre”, “Ventanal”, “Quipamán” y “Chile Pepper”.

El libro “60 años de canciones y rebeldías” se podrá adquirir en la puerta de la Sala SCD el día del concierto. Su precio es de 10.000 pesos y su compra será válida para el ingreso a la actividad. Las reservas se pueden realizar a través del e-mail: enmipatriaunavioleta@gmail.com

Por: Diario UChile

Julio 14, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

Retrato de Alessandro Lonati

Hace 147 años, el 2 de julio de 1877, nació en Calw, Alemania, Hermann Hesse, una de las figuras más influyentes de la literatura del siglo XX. Hesse, quien luego se nacionalizó suizo, no solo dejó una marca imborrable en la literatura mundial con sus novelas, sino que también se destacó como un crítico vehemente del nacionalsocialismo, un régimen que consideraba nefasto y destructivo para la humanidad.

Hesse inició su carrera literaria en un contexto de gran agitación política y social en Europa. Desde joven, mostró un talento extraordinario para las letras y una profunda capacidad de introspección, elementos que se reflejarían a lo largo de su prolífica obra. A lo largo de su vida, Hermann Hesse escribió numerosas novelas, poemas y ensayos, dejando un legado literario que continúa inspirando a lectores de todo el mundo.

En 1946, Hesse fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura, un reconocimiento a su contribución única a la literatura universal. El comité del Nobel destacó su capacidad para explorar las complejidades de la condición humana a través de una prosa profundamente introspectiva y lírica.

Entre las obras más destacadas de Hesse se encuentran “Demian” (1919), “Siddhartha” (1922) y “El lobo estepario” (1927), cada una de las cuales ofrece una profunda exploración de temas como la identidad, la espiritualidad y la búsqueda del sentido de la vida.

Demian (1919) es una novela que refleja la lucha interna del individuo por encontrar su verdadero yo en medio de las presiones de la sociedad. A través de su protagonista, Emil Sinclair, Hesse aborda temas de dualidad, autoconocimiento y el camino hacia la madurez espiritual.

En Siddhartha (1922), Hesse narra la búsqueda espiritual de un hombre en la India antigua. La novela es una reflexión profunda sobre el autodescubrimiento, la iluminación y la interconexión de todas las cosas. A través de su estilo lírico y meditativo, Hesse invita a los lectores a reflexionar sobre sus propias vidas y el camino hacia la autorrealización.

El lobo estepario (1927) es quizás una de las obras más conocidas de Hesse. La novela explora la dicotomía entre la vida burguesa y la vida del espíritu a través de su protagonista, Harry Haller. La narrativa, cargada de simbolismo y reflexión filosófica, es un testimonio de la lucha interna del hombre moderno frente a una sociedad cada vez más deshumanizada.

Hesse no solo se destacó como novelista, sino también como pintor. A lo largo de su vida, encontró en la pintura una forma de expresión artística complementaria a su labor literaria. Sus pinturas, al igual que sus escritos, reflejan una profunda búsqueda de la belleza y la verdad.

Una de las frases célebres de Hesse, “La belleza no hace feliz al que la posee, sino a quien puede amarla y adorarla”, encapsula su visión estética y filosófica. Para Hesse, la verdadera felicidad y realización no residen en la posesión material, sino en la capacidad de apreciar y venerar la belleza en sus múltiples formas.

Dutch National Archives, The Hague, Fotocollectie Algemeen Nederlands Persbureau (ANEFO), 1945-1989, CC BY-SA 3.0 nl,

«El arte es la contemplación del mundo en estado de gracia».
«El verdadero humor empieza cuando ya no se toma uno en serio a sí mismo».
«Hay millones de facetas de la verdad, pero una sola verdad».
«La belleza no hace feliz al que la posee, sino a quien puede amarla y adorarla».
«La práctica debería ser producto de la reflexión, no al contrario».
[Die Praxis sollte das Ergebnis des Nachdenkens sein, nicht umgekehrt.
«La vida de cada hombre es un camino hacia sí mismo, el intento de un camino, el esbozo de un sendero».
«Lo blando es más fuerte que lo duro; el agua es más fuerte que la roca, el amor es más fuerte que la violencia».
«Nada es tan pesado para el hombre como seguir el camino que le conduce a sí mismo».
«No hay otra realidad que la que tenemos dentro de nosotros».
«No hay que hacerle a este cómico mundo el honor de tomarlo en serio».
«No reniego del patriotismo, pero por encima de todo soy un ser humano, y cuando ambas cosas son incompatibles, siempre le doy la razón al ser humano».
[Ich bin gerne Patriot, aber vorher Mensch, und wo beides nicht zusammengeht, gebe ich immer dem Menschen recht.]
«Para que pueda surgir lo posible es preciso intentar una y otra vez lo imposible».
«Sin el animal que habita dentro de nosotros somos ángeles castrados».

Hermann Hesse: Un Viaje Literario y Personal a Través de los Mundos

En sus numerosos viajes, Hermann Hesse buscó inspiración en otros mundos, recorriendo Italia, Ceilán e Indonesia. Declarado inapto para combatir en la Primera Guerra Mundial, sus escritos de la época, contrarios al nacionalismo, lo llevaron a enfrentar arduas polémicas y amenazas. Estas controversias, junto con una serie de desgracias familiares, afectaron su salud y lo llevaron a desarrollar un gran interés por el mundo de los símbolos y el psicoanálisis de Jung. De esta exploración surgió una de sus obras más conocidas, la novela de iniciación Demian, publicada bajo el seudónimo de Emil Sinclair.

El éxito de la novela fue enorme, confirmando a Hesse como un referente literario para las generaciones juveniles posteriores.

Durante los años oscuros del ascenso del nacionalsocialismo en Alemania, Hesse se erigió como un crítico feroz del régimen de Hitler. Hesse protegió a otros autores alemanes como Bertolt Brecht y Thomas Mann, se opuso abiertamente al régimen político, mostrando su apoyo a los escritores perseguidos. Los periódicos alemanes dejaron de publicarlo, pero su testimonio de resistencia y su ideal de una cultura enriquecida por todas las tradiciones le valieron el Premio Nobel de Literatura.
Sus escritos y declaraciones públicas denunciaron el totalitarismo y la persecución, defendiendo siempre los valores de la libertad, la justicia y la dignidad humana. Su postura valiente y su compromiso con la verdad y la justicia le valieron tanto admiración como controversia.

Además de su pasión por la literatura, Hesse también se interesó por la pintura, llegando a practicarla y a integrarla en su prosa.

Hermann Hesse falleció el 9 de agosto de 1962 en Montagnola, Suiza, dejando un legado que trasciende generaciones. Su obra continúa siendo un faro de introspección y sabiduría, recordándonos la importancia de la búsqueda espiritual y la resistencia frente a la opresión. A 147 años de su nacimiento, celebramos la vida y el legado de un verdadero maestro de la literatura.

Hermann Hesse dejó un legado imborrable en la literatura mundial, recordándonos la importancia de la búsqueda espiritual y la resistencia frente a la opresión.

Cuando estuvimos en pandemia, muchos tuvimos más tiempo para leer más frecuentemente*, pero en ese momento era difícil salir a buscar y/o comprar libros de la manera “tradicional”, y se dio una tendencia curiosa, cada vez más personas empezaron a leer en el móvil, ¿la razón?, simple: teníamos el móvil siempre con nosotros.

* No solo en temporada estival

Foto de Efrem Efre

 

Y después de informarnos, ver redes sociales, “sobraba tiempo” (los que estábamos/estaban confinados), así muchos empezaron a buscar que leer. Y tanto los libros de papel como los lectores de libros electrónicos se convirtieron en una alternativa disponible en ese momento.

Eso no quiere decir que no se siga apreciando las ventajas de un buen libro en papel, tiene todo un encanto especial y es un objeto que puede tener aún más significado que el de la propia obra en si: que alguien te lo haya regalado o que lo compraras en un momento especial de tu vida hace que asocies ese libro a una persona o un acontecimiento excepcional.

[blockquote text=”Leer libros en papel, móviles o en lectores de e-books tiene su encanto. Lo importante es leer.” show_quote_icon=”yes” quote_icon_color=”#ae482c”]
Foto de Cottonbro Studio

 

Lo prometido: Poder leer libros y gratis.

24symbols

24symbols es una plataforma en la que podemos acceder desde nuestra computadora, smartphone o tablet. Dispone de una versión premium con la que se puede disfrutar del catálogo completo, sin publicidad y con descargas ilimitadas.

En todo caso en este sitio web existe una sección dedicada a los libros gratuitos, y es tan simple como crear una cuenta para poder acceder a leerlos. Hay libros para todos los gustos. ⇀ Free aquí

Puedes acceder a 24symbols en su web. ⇀ Ver aquí

 

Además 24symbols se encuentran en App Store y Google Play.

Foto de Maël BALLAND

 

Dominio Público

Como indica su nombre, este sitio web tiene como objetivo recopilar y difundir obras que ya forman parte del dominio público ( Materiales que han expirado los derechos de autor).

El diseño del sitio no es lo más interesantes del mundo, pero es muy simple de usar. En el costado izquierdo tiene una barra con el abecedario, en la que se puede buscar rápidamente a los apellidos de los autores.

Una vez que hayamos entrado al autor, nos aparecerán las obras disponibles, que tenemos la opción de leer directamente desde el navegador o descargar.

Acceder a ⇀ Dominio Público

Proyect Gutenberg

Proyect Gutemberg es uno de los repositorios de libros electrónicos más antiguos, cuenta con más de 60.000 eBooks totalmente gratuitos. Pueden consultarse directamente desde la web o descargarlos para leer en el Kindle, etc.

La página está en inglés, pero podremos encontrar libros en más de 50 idiomas, entre ellos ⇀ el idioma español.

Como es habitual, también podremos navegar por los nombres de autor, obra o descubrir cuáles son ⇀ los 100 más leídos.

Acceder a ⇀ Proyect Gutemberg

Casa del Libro

La Casa del Libro, es una de las plataformas y tiendas más importantes para comprar libros, también dispone de una ⇀ sección gratuita en la que podemos leer eBooks directamente desde la web.

La Casa del Libro ⇀ Acceder Aquí

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

La Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes es un fondo bibliográfico que cuenta con obras de Literatura, Historia, Ciencias, etc. Fue creado por el Gobierno de España bajo la tutela de la Universidad de Valencia.

Cuenta con más de 5.000 obras completas de autores clásicos españoles y sudamericanos, que pueden ser leídos directamente desde este portal. Además, el diseño de esta plataforma es muy correcto y es muy fácil utilizar el buscador para encontrar libros interesantes.

Ir a ⇀ Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

Wikisource

Wikisource es una biblioteca repleta de libros que se encuentran libres de derechos de copia (dominio público, licencia GFDL o similares). Dispone de más de 114.000 libros que podemos leer directamente online o descargar para abrirlos en cualquier dispositivo.

Puedes navegar y buscar por apellido del autor, título de la obra, época, género o país. Además, la portada se va actualizando con las últimas incorporaciones, extractos relacionados, efemérides, etc. Y, lo mejor de todo, todas las obras que se encuentran están publicadas o traducidas al español.

Ir a ⇀ Wikisource

Descargar libros gratis y legal

Tal y cómo se indicó y consultar en el sitio web oficial de la Biblioteca Nacional de España, entran en dominio público las obras de los autores que fallecieron en 1943, y en Estados Unidos las que se publicaron en 1927. De esta manera, las obras que entran dentro de esta galería se pueden consultar en:

Biblioteca Digital Hispánica: uno de los sitios más importantes sin duda es la web de la Biblioteca Nacional de España.

Aquí se van a poder visualizar y descargar todas las obras que han entrado en dominio público, así como el listado con todos los autores que fallecieron en 1943.

Ver aquí ⇀ Biblioteca Digital Hispánica

 

Internet Archive: una web que permite acceder a contenido de manera libre. OpenLibrary es donde se van a encontrar los libros gratuitos para que puedas disfrutar de ellos.

Ver aquí ⇀ Internet Archive

 

¡Claro, hagamos una inmersión en la vida y obra de John Cassavetes!

John Cassavetes y su esposa, la actriz Gena Rowlands/ ARCHIVO

Desde el caótico y vibrante mundo del cine independiente, emergió un visionario que transformó la narrativa cinematográfica con su enfoque único y crudo de la vida. John Cassavetes, actor, director, guionista y productor, se convirtió en un ícono del cine independiente estadounidense, dejando un legado duradero que ha influido en generaciones de cineastas.

Biografía

John Cassavetes nació el 9 de diciembre de 1929 en el corazón de Nueva York, en una familia de inmigrantes griegos que, aunque modesta, estaba llena de pasión y dedicación. Su padre, Nicholas, llegó a Estados Unidos en 1908 y se casó con una mujer griega mucho más joven que él en 1926. Criado en Long Island, John encontró su camino en el mundo del arte desde temprana edad, asistiendo al instituto en Nueva Jersey antes de embarcarse en su viaje hacia la Academia de Artes Dramáticas, Cassavetes estudió actuación en la American Academy of Dramatic Arts.

Después de graduarse en 1950, John se sumergió en el teatro y exploró roles secundarios en películas y series de televisión. Y donde conocería a su futura esposa, Gena Rowlands, de quien no se separó jamás.

Su talento como actor lo llevó a trabajar en teatro, televisión y cine, participando en producciones notables como “The Dirty Dozen” y “Rosemary’s Baby“. Sin embargo, fue como director y guionista donde Cassavetes dejó su huella más profunda.

John Cassavetes/ Serie: Johnny Staccato (1959)

Fue en la década de los años setenta cuando floreció como cineasta independiente, creando lo que muchos considerarían sus obras maestras: “Una mujer bajo la influencia” (1974), que lo llevó a ser nominado al Oscar a la mejor dirección, y su esposa, Gena Rowlands, a la mejor actriz; “The Killing of a Chinese Bookie” (1976) y “Noche de estreno” (1977).

Para mucha gente y críticos, es en la década de los ochenta en que Cassavetes filmó dos de sus más grandes aciertos, que le traerían los mayores reconocimientos formales como realizador, las mencionadas Gloria y Corrientes de Amor, que obtuvieron respectivamente el León de Oro del Festival de Cine de Venecia y el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín.

Las siguió Big Trouble (1986), su última película, por la cual tuvo grandes conflictos debido a la censura que le impusieron y a la que él nunca consideraría como propia por no haber escrito su guión

Las mejores películas de John Cassavetes destacan por su enfoque en la condición humana, su realismo emocional y la actuación magistral de su elenco, especialmente de su musa y esposa, Gena Rowlands.

Cassavetes desafió las convenciones cinematográficas al priorizar la autenticidad sobre el glamour, inspirando a generaciones posteriores de cineastas independientes a explorar la complejidad de la vida a través del arte.

John Cassavetes y Gena Rowlands en serie: Johnny Staccato (1959)

La serie tuvo 27 episodios en NBC desde el 10 de septiembre de 1959 hasta el 24 de marzo de 1960.

En última instancia, el legado de John Cassavetes perdura como un recordatorio de que el verdadero arte cinematográfico reside en la honestidad emocional y en su capacidad para capturar la esencia misma de la experiencia y la conexión humana, elementos que él capturó magistralmente en sus películas atemporales.

Su enfoque íntimo y su compromiso con la autenticidad cinematográfica lo convierten en un ícono del cine independiente que sigue inspirando a cineastas y espectadores por igual.

John Cassavetes nos dejó un legado invaluable con su filmografía, un universo rico y perdurable donde su talento se desplegó en un crecimiento constante. Cada película mostraba una madurez mayor que la anterior, con historias más consistentes, personajes más fluidos y guiones cada vez más sólidos.

Su partida temprana quizás haya contribuido al culto que rodea su cine, pero es innegable que la singularidad de sus historias, donde arriesgó todo, es un mérito poco común.

Cassavetes ofreció una alternativa al cine comercial que empezaba a dominar, sembrando la semilla de un cine de autor único, alejado de la censura y las normativas de los grandes estudios.

Por su legado, siempre estaremos profundamente agradecidos.

Gena Rowlands

John Cassavetes y Peter Falk 1971

Mia_Farrow_-_Rosemary's_Baby

Mia Farrow / El Bebé de Rosemary

John Cassavetes

Conclusiones

 

En “The Killing of a Chinese Bookie“, Cassavetes nos sumerge en la vida de Cosmo Vitelli, interpretado magistralmente por Ben Gazzara, un dueño de un club de striptease que se ve presionado por la mafia para cometer un asesinato y pagar sus deudas. Mientras que en “Noche de estreno“, Rowlands nos cautiva con su actuación de una estrella de cine en declive, enfrentando una crisis personal en el mundo del teatro.

La dedicación y perfeccionismo de Cassavetes se revelan en su meticuloso trabajo en los guiones, como lo evidencia el tiempo y esfuerzo invertidos en “Noche de estreno“, donde la producción tomó más de un año y la versión original de cinco horas fue pulida hasta su forma final. A pesar de los desafíos y la inversión significativa, solo una copia de la versión final de la película fue distribuida en Estados Unidos.

 

Mejores Películas

 

  1. “Faces” (1968): Considerada una de sus obras maestras, esta película ofrece un retrato crudo y visceral de las relaciones humanas y la soledad en la era moderna. La actuación improvisada y la atmósfera intensa hacen de esta una experiencia cinematográfica inolvidable.
  2. “A Woman Under the Influence” (1974): En esta película, Cassavetes nos sumerge en la complejidad de la mente humana a través del personaje de Mabel Longhetti, interpretado magistralmente por Gena Rowlands. La exploración de la enfermedad mental y la dinámica familiar es desgarradora y auténtica.
  3. “The Killing of a Chinese Bookie” (1976): Esta película noir reinterpreta el género con la perspectiva única de Cassavetes. La historia de un director de club nocturno envuelto en problemas con la mafia es contada con un estilo visual y narrativo que desafía las convenciones.

 

Series

Si bien Cassavetes no incursionó ampliamente en la televisión, su influencia se ha sentido en series que abrazan el realismo y la profundidad emocional en su narrativa, como “The Sopranos” y “Breaking Bad“.

Estas series han adoptado elementos del enfoque de Cassavetes hacia la psicología de los personajes y la exploración de temas complejos.

John Cassavetes. (1929-1989)

Loreto Rachetti / Fotos: Commons Wikimedia / Collections – GetArchive

Chico Buarque (Foto: https://www.chicobuarque.com.br/))

Este 19 de junio, el imprescindible artista brasileño cumple 80 años de vida. Un trayecto marcado por la excelencia musical y un profundo compromiso con los derechos humanos y que es valorado por colegas y expertos de forma transversal.

Catalina Araya

En términos prácticos, es la vida cotidiana, repetitiva y mundana de un obrero que muere tras caer desde la cúspide de una construcción. Un relato común y corriente que, en manos de Chico Buarque, se transformó en un verdadero himno sobre la enajenación laboral y las relaciones sociales de producción, en una época donde Brasil sucumbía ante una dictadura.

Era 1970 y Buarque -pilar fundamental de las artes brasileras- se encontraba apenas volviendo a su país tras pasar algunos años de exilio en Italia. El caso de “Construção“, una de las tantas composiciones épicas que componen el disco que recibe el mismo nombre y que supo burlar la censura militar vendiendo más de 140 mil copias, es apenas una muestra del genio artístico de quien se perfila como un músico fundamental de la canción latinoamericana.

Este 19 de junio, Chico Buarque cumple 80 años de vida. En ese contexto, cualquier análisis u homenaje a su obra musical, literaria y humana corre el peligro de resultar inabarcable. Aun así, un grupo de músicos y especialistas consultados por Radio y Diario Universidad de Chile se aventuraron a descifrar los elementos que hacen de su nombre ineludible de nuestro cancionero.

Marisol García, periodista musical y escritora

Imagino que algunos autores asocian a Chico Buarque a la Música Popular Brasilera (MPB). Pero creo se desmarca un poco de ahí. La MPB se caracterizó por llevar a las radios, a la televisión y a las audiencias masivas un tipo de canción un poco más propositiva que lo que existía hasta entonces. De alguna manera, hacer un cruce entre la canción autoral y el pop.

Ahí existen grandes nombres que van desde Roberto Carlos hasta Caetano Veloso. Y para mí, el carácter autoral de Chico Buarque es tan fuerte que me cuesta asociarlo a colectivos. Me parece que él tiene un estilo y una impronta lo suficientemente poderosa como para pensar en él de manera única e individual, alejado de los grupos generacionales que coinciden con él.

En lo musical, el disco ‘Construção’ tiene un montón de innovaciones y marcas que lo convierten en una cumbre de la canción iberoamericana y todos a quienes nos interesa la música tenemos que pasar por ahí alguna vez. A mí me resultó revelador en dos cosas.

La primera, son los arreglos de orquesta y los arreglos musicales en general. Son muy innovadores, complejos, ingeniosos. Son canciones que uno se imagina que fueron compuestas a pura voz y guitarra, pero son grabadas de una manera que en algunos momentos resulta majestuosa y en otros, de vanguardia. Y es un tipo de música que no se puede escuchar ligeramente. Hay que estar muy atento al montón de decisiones de producción y de arreglos que son brillantes y que han envejecido súper bien, por lo demás.

También entiendo que en el contexto social y político de Brasil haya sido un disco propositivo en cuanto a las letras. Ya la pura canción que le da título al disco es el retrato de un trabajador, de un hombre entre comillas común y corriente, que en el día a día se ve enfrentado de pronto a un suceso dramático. En ese sentido, pienso también en lo que pasaba en Chile con la Nueva Canción Chilena, que es un movimiento que logra poner en el centro de la canción a protagonistas que no son glamorosos ni exitosos. Que no son héroes.

Sino que comienzan a meter en la canción popular vidas comunes. Trabajadores, madres, estudiantes. Es algo que con el paso de las décadas ya se nos ha vuelto más natural y familiar. Pero que para esos momentos era un atrevimiento. En el fondo, ‘Construção’ es el disco de personas comunes tratadas como héroes musicalmente, porque la música los lleva a una altura grandiosa.

Sobre el legado de Chico Buarque en sus 80 años, me imagino que lo que podemos comentar desde fuera de Brasil es muy diferente a lo que los propios brasileros van a celebrar en estos días y que merece que sea a toda fiesta. Lo que pasa es que, para nosotros, fuera de Brasil, es un autor al cual llegamos con cierto esfuerzo. No está Chico Buarque en las radios, salvo algunas composiciones en las que él participó. Pero no es una figura cercana, familiar. Tenemos que salir a buscarlo, a escucharlo, a leerlo. Porque también está en sus novelas.

Y lo admiramos como un autor que nos resulta revelador, pero que no es parte del circuito cultural chileno masivo. En Brasil es otra cosa, me imagino que es una referencia de poesía, de creación ineludible, y que ha resultado por eso súper influyente para la cultura brasilera completa. Hago la distinción porque, al menos para mí, el agradecimiento y la admiración que le tengo a Chico Buarque, que son enormes, han provenido de ese salir a buscarlo, entenderlo y apreciarlo. En ese sentido, le tengo envidia a los brasileros que lo tienen ahí como una figura cotidiana.

Paulo Paranhos, guitarrista brasilero

Yo particularmente lo relaciono a la generación de la MPB, ese período, en la segunda parte de los años 60, en el medio de la dictadura. Tiene un tipo de música que es muy interesante, pero creo que él se destaca frente a esa generación desde el punto de vista social.

Él era carioca, de una clase media alta, y entonces tiene todo un tipo de influencias tanto musicales como sociales que son distintas de otros músicos de su generación. Y en la parte individual también algo como intérprete, que para mí es interesante. Y es que él se muestra sin miedos, con un tipo de voz que no es de cantante, con una parada súper pobre entre comillas, una forma nada teatral.

Esa también es una forma muy de él, una cosa interesante que destaco y valoro mucho. Y no es solamente músico. Es letrista de una forma muy potente, escribe libros. Eso igualmente es parte de otros músicos de su generación, pero creo que él tiene una cierta igualdad entre esas dos cosas, ser músico-cantante y compositor-letrista. Algo que está muy bien equilibrado.

Y como músico solo tengo para agradecerlo. Mi formación, mi concepto musical viene desde lo que él creó. Obviamente es parte de un movimiento, de toda una generación que viene antes que él, pero sigue siendo una parte muy influyente en ese sentido.

El concepto de música que tengo, el tipo de aptitudes musicales que tengo, tiene mucho que ver con su música. Y principalmente con esa idea de una música autóctona brasilera mezclada con una cosa más moderna, post bossa nova, con una riqueza armónica y orquestal muy interesante. Además, en forma de canción, con letra y todo. Esa posibilidad de mezclar, de desarrollo musical, para mí es genial y veo mucho eso en su música hasta ahora, en sus 80 años.

Tita Parra, cantautora chilena

Chico Buarque es realmente un fenómeno dentro de la música de Brasil por el talento, principalmente. Un talento muy rico, que relaciona muy bien en sus composiciones las palabras y la poesía profunda con la música. Tiene una capacidad melódica y de armonía gigante que fue desarrollando a lo largo de su vida. Y llegando a una calidad compositiva y poética muy alta.

Esa es una de las características más grandiosas y prodigiosas de la obra de Chico Buarque. Por otro lado, también tiene mezclada en su poesía una temática con la cual hace una similitud muy cercana, muy profunda con la vida popular de los brasileros. Como amante del fútbol y como un protagonista de luchas juveniles contra la dictadura del año 64, Chico Buarque se convirtió en un ícono e hizo canciones que fueron verdaderos himnos para las luchas de esos años.

Fue perseguido, fue censurado, apresado. Estuvo un tiempo en Italia manteniéndose distante de la persecución. Muy poco tiempo, porque siempre volvía muy valientemente. Incluso fue apresado a la salida de un concierto. Y sus canciones tenían una significancia gigante. Arrasaron. Por ejemplo, ‘Apesar de você’, esa canción que realmente se convirtió en un himno en Brasil.

Son varias cosas las que caracterizan a Chico Buarque. El talento, por un lado, su valentía, su cercanía y su empatía profunda con el pueblo, con la gente joven, con la gente de su época. Y con las costumbres típicas de su país, como puede ser el fútbol, la vida popular cotidiana. Eso también es muy lindo en el trabajo de Chico Buarque.

Además, después se convirtió en un gran escritor. Desde joven empezó a trabajar en obras de teatro haciendo musicalizaciones de grandes dramaturgos, escribiendo, trabajando con actores. Una larga lista de obras de teatro y de trabajo musical en obras. Y también hizo novelas. Incluso ha ganado premios como escritor.

Y finalmente, obtuvo el título del mejor músico del siglo XX. Así que estamos frente a un genio. Chico Buarque es un genio de la música, la poesía, la escritura. Y también como ser humano es muy amado. Es muy cercano a pesar de que es tímido en ciertas ocasiones. Es muy querido, muy idolatrado en Brasil por su altísimo nivel artístico y humano.

César Albornoz, Doctor en Historia especializado en música

Todo esto es en gran parte mi apreciación personal. Porque Chico Buarque está instalado no solo en la Música Popular Brasilera, sino también en la música popular latinoamericana. Estamos hablando de una de las figuras referenciales junto a otras como Joao Gilberto.

Pero desde mi perspectiva, la gran importancia de Chico Buarque es que, de alguna forma, es el representante desde Brasil de la nueva canción latinoamericana. Lo veo con una relevancia que va más allá de lo musical. Más allá de haber sido un intérprete que tiene incorporado el bossa nova dentro de su repertorio, como referente de la MPB en particular y todo eso.

Es aquel cantante que se instala en la época de las dictaduras latinoamericanas y específicamente de la dictadura en Brasil. Y que tiene una particularidad, pues las dictaduras de la última horneada de Latinoamérica, Pinochet entre ellas, que se instalan en relación a la política de contención al comunismo desde Estados Unidos implementada desde los años 60 en adelante, debuta en Brasil.

La Doctrina de Seguridad Nacional comienza en Brasil y coincide con que sea también su aniversario 60. Por lo tanto, los primeros regímenes de esas características son los brasileros. Y en tiempo de dictaduras, incluyendo la chilena, la argentina, la brasilera, algunas músicas se instalaron en oposición a ellas. Lo sonoro fue una especie de espacio de resistencia.

Y desde mi opinión, la gran virtud, la gran figuración de Chico Buarque se instala ahí. Algunas de sus canciones como ‘Apesar de você’ o ‘Cálice’, son canciones muy representativas de lo que era la música popular en oposición, con esos mensajes con doble lectura para superar la censura. Igualmente vivió el exilio, como gran parte de los músicos la nueva canción latinoamericana.

Recuerdo haber escuchado hace años un festival por la paz que se hizo en apoyo de la Nicaragua que estaba siendo agredida por Estados Unidos cerca del año 83 y donde estuvo gran parte de esa nueva canción latinoamericana que se caracterizaba por su compromiso político. Amparo Ochoa, Silvio Rodríguez, y también Chico Buarque.

Me parece que ahí está la gran especificidad del artista, más allá, insisto, de su excelencia musical, que es indiscutible. En la perspectiva de una historia sociocultural de América Latina, me parece que tiene ese lugar importante.

En cuanto a la historia de las músicas, y en el caso de Brasil, a comienzos de los años 60 se había instalado ya el bossa nova con mucha fuerza. Una música muy influyente que fue atendida también por toda la escena de jazz de Estados Unidos y que hasta el presente forma parte del imaginario sonoro subcontinental.

Mantiene su fuerza, pero el auge fue a comienzos de los 6o. Fue decantando y aparece lo que en Brasil le llaman la MPB, que no es el equivalente a música popular brasilera como lo fuera cualquier música popular, sino que fue un movimiento más acotado. Básicamente, una especie de instalación en el gusto masivo de los códigos de la bossa nova con figuras que empiezan a mezclarlo con otros géneros, con el rock inclusive, con mucha presencia en televisión.

Y desde ese MPB aparecen una serie de otros movimientos que son más agresivos en términos de vanguardia. Me refiero particularmente a la tropicália, con Os mutantes, Caetano Veloso, etc. En eso, es interesante que la figura de Chico Buarque resulta transversal. Si bien en la mayor parte de la historia de la música lo instalan como representante del MPB, Chico Buarque tiene un nacionalismo en términos de recuperación de la raíz folklórica y de la tradición de la música brasilera que no es tan presente en la MPB. Tampoco en la tropicália. Eso mismo hace a Chico Buarque asumir un compromiso bastante sólido en oposición a las dictaduras.

Y las grandes figuras como Chico Buarque tienen esa virtud, que son, de alguna forma inclasificables. Porque son trascendentales a los movimientos, son súper significativas en su historia y son particularmente de calidad en términos de la disciplina que cultivan. Eso es lo que lo transforma en el referente que todos tenemos. Y todos escuchamos a Chico Buarque. A todos nos gusta. Es muy difícil que no sea así.

Por: Catalina Araya

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Junio 16, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

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La hipocresía mató al gato, banda indie chilena.

“Reflexiones tempranas” es el nombre de la más reciente placa de los chilenos Nicolás Roa y Tomás Cordero. Un estreno celebrado a sala llena en el Centro GAM el primero de junio, y que llega a consolidar su variopinto universo sonoro.

Catalina Araya

Una necesidad visceral de expresarse. Esa fue la sensación que motivó la fundación de La Hipocresía Mató al Gato, banda chilena compuesta por los músicos Nicolás Roa y Tomás Cordero.

Cuando se conocieron -a principios del 2019 y por un amigo en común- todavía no había muchas luces de toda la convulsión social que remecería a nuestro país. Y aunque comenzaron su relación profesional como compañeros de un estudio de grabación, el estallido social y la posterior crisis sanitaria desatada por la pandemia cambiaron sus planes.

“En ese momento pensamos ‘ya, tenemos todo esto .¿Por qué no vamos estas dos semanas que va a durar esto a encerrarnos a una casa?’”, recordó Roa sobre la decisión que definió los años posteriores. “Empezamos a hacer canciones, las encontramos bacanes, pero sólo pensamos en subirlo a Soundcloud y mostrárselo a nuestros amigos, nada más“.

“Era pasarla bien”, agregó Cordero, dejando claro que todo arrancó como una idea sin mayores pretensiones. Al menos hasta que se percataron de que había mucha más proyección dentro de esas composiciones. “Empezamos a ver que esto daba para largo, que la pandemia no iba a ceder tan rápido, y también a sentir que el proyecto estaba bueno, que las canciones nos gustaban mucho, que nos hacían mucho más sentido que lo que estábamos haciendo antes, y ahí empezamos a reclutar gente. Postulamos a un fondo de la música y lo ganamos. Ahí pensamos ‘oh, tenemos que hacer un disco’“, sumó Tomás Roa.

Así fue como arrancó La Hipocresía Mató al Gato, una de las propuestas más interesantes de la escena local actual y que ya lanzó su segundo trabajo de estudio. Bajo el nombre de “Reflexiones tempranas” y con un universo cargado de referencias pop (entre ellas, alusiones a personajes tan icónicos y variopintos como Charly García, Jorge González y Felipe Avello), los músicos lograron construir una propuesta repleta de símbolos oníricos que, según explican, respondió a cómo se estaban enfrentando a la cotidianidad y a la vida misma desde su propia vereda.

La Hipocresía Mató al Gato, banda indie nacional

“Este nombre, ‘Reflexiones tempranas’, nace a partir de la idea de hacer las cosas desde las vísceras, por cómo uno se enfrenta a ellas en el primer momento, provocando que surjan ciertas ideas, inquietudes, incomodidades, preguntas y también respuestas”, afirmó Cordero. “Y el relato auditivo fue surgiendo junto a la necesidad creativa de contar historias, que es algo que a nosotros nos gusta mucho hacer desde que empezamos este proyecto. El primer disco también narra un relato y es continuo musicalmente. Quisimos replicar esa fórmula para darle continuidad y cerrar ese ciclo, de hacer estas largas historias que cuentan un relato”.

En el marco de esa búsqueda es que definen la narrativa de esta placa -estrenada el pasado 1 de junio en un efusivo concierto en el Centro GAM- como el relato de un día común y corriente. “Es algo que llegó casi al final del proceso. De hecho, el track principal es ‘Día normal‘, que narra un día cualquiera. De cualquier persona, y que empieza cuando uno se levanta. De hecho, parte con un sueño, que es lo primero que pasa en el día, donde aparece esta parte onírica de Charly, de Avello”, precisó Cordero.

Sin embargo, y más allá de la propuesta sonora, el proceso de producción del disco fue uno de los factores que marcaron una diferencia con lo que fue su debut discográfico, bautizado de forma homónima. Una de ellas fue la oportunidad de viajar hacia argentina para realizar las grabaciones.

“Es primera vez que trabajamos en un estudio fuera de Chile. Y también trabajamos con varios productores. Estuvo Javier Barría, el Jim Hast. Ampliamos nuestra cartelera de feats con colaboraciones junto a Bronko Yotte, con la Nico Bunout. También nos repetimos el plato con Motafonkas porque es muy bueno”, sumó Roa.

Sobre ese mismo punto, su compañero igualmente hizo hincapié en que el nivel de maduración sonora que consiguieron con este LP les resultó evidente. “Hacer un disco inevitablemente te enseña muchas cosas. Haber hecho el primer disco en un encierro, casi en tres meses, un día tras otro, también nos marcó. Estábamos con muchas cosas contenidas. Veníamos del estallido social, estaba empezando la pandemia. Había mucho ocurriendo y estábamos con una energía también bastante alta. Ese disco fue una especie de catarsis, mientras que este fue algo mucho más pausado, donde fuimos canción por canción, compensando mucho más el sonido. Fue un poco más reflexivo, tuvo esa mirada de pensar cómo queremos realmente sonar, y no que la canción sonara como consecuencia de lo que íbamos creando en el momento”.

Resistir a través del disco

Durante los últimos años, y tras el avance de las plataformas digitales en desmedro de los formatos físicos, la publicación de discos de larga duración se ha visto amenazada por la lógica de los singles. Lanzamientos fragmentados que han hecho más difícil la promoción de álbumes unidos por un relato en común.

Eso es, justamente, lo que los músicos de La Hipocresía Mató al Gato buscan evitar. “Se ha perdido un poco el hecho de escuchar conscientemente la música. Siento que ahora, con lo digital y la cantidad de ofertas y canciones y tantas formas que hay de escucharlo, se ha perdido un poco la escucha consciente, detenida, pausada”, señaló Nicolás.

Nosotros apelamos un poco a eso, a que nuestro público pueda seguir teniendo esas escuchas prolongadas en el tiempo con, por ejemplo, un disco de 40 minutos. Y hoy no es fácil tomarse 40 minutos de la vida en general, en la cotidianidad. Al final no sé si es un arma de doble filo, pero la industria en general no es eso lo que está buscando. Pero también nosotros defendemos eso, el hecho de que la música también sea un espacio de reflexión, de encontrarse con uno mismo dentro de una canción. Creo que por ahí estamos buscando otro nicho, otro tipo de gente, más allá del mainstream”, agregó Roa.

“Todo se esfuma rápido”, añadió Tomás. “Es como la compra de ropa en el retail. Yo también compro ahí para salir del apuro muchas veces, pero es ropa que no dura nada, versus otra que está hecha y pensada para durar más en el tiempo. Esta es más o menos la misma búsqueda”.

Además, se trata de una pretensión reflexiva que parte desde su mismo nombre. “Al final, somos tan hipócritas que eso es lo que nos está llevando a extinguirnos, a matarnos a nosotros mismos, a matar el planeta que nos dio vida y que nos ha cuidado todo este tiempo. La humanidad no hace más que maltratarlo y hacer caso omiso a todas las advertencias de que tenemos que cuidarlo porque sin mundo no hay vida”, explicó Cordero.

“Y este nombre nace como eso. Fue una vuelta al refrán de que la curiosidad mató al gato. Al final no es la curiosidad la que le hace mal al ser humano ni la que lo va a matar, sino que es la hipocresía misma. Tomó fuerza ese nombre, pasó a ser el nombre del primer disco y después, cuando estábamos en la búsqueda del nombre del proyecto, nos dimos cuenta de que no había que buscar más lejos”, concluyó.

Por: Catalina Araya

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Junio 05, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

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Jim Henson es una figura icónica en el mundo del entretenimiento, conocido principalmente por su creación de los Muppets, que han dejado una marca indeleble en la cultura popular. Ahora, Disney+ nos trae “Jim Henson: el hombre y las ideas“, una nueva película dirigida por el aclamado director Ron Howard, que promete explorar no solo el legado de Henson, sino también su visión y filosofía de vida. Esta película es una oda a la creatividad, la innovación y el poder de los muñecos para hacer un mundo mejor.

Loreto Rachetti / Foto principal: Bernard Gotfryd, Public domain, via Wikimedia Commons.

El Genio Creativo detrás de los Muppets

Jim Henson comenzó su carrera en la década de 1950, y su trabajo revolucionó el uso de marionetas en la televisión y el cine. Desde el icónico Kermit the Frog hasta Miss Piggy, los Muppets se convirtieron en personajes queridos por audiencias de todas las edades. Henson no solo creó muñecos; creó universos enteros llenos de humor, calidez y humanidad. Sus programas, como “Sesame Street” y “The Muppet Show“, no solo entretuvieron sino que también educaron a generaciones de niños y adultos.

This work is from the Bernard Gotfryd collection at the Library of Congress.
According to the library, there are no known copyright restrictions on the use of this work.

Ron Howard y su Visión

Ron Howard, conocido por su habilidad para contar historias humanas y emocionales, parece ser la elección perfecta para dirigir esta película. Su enfoque promete capturar tanto el genio creativo de Henson como su impacto personal y profesional en quienes lo rodearon. Howard, con su estilo característico, probablemente ofrecerá una narración que equilibre el corazón y la mente, mostrando cómo Henson utilizó la simplicidad de los muñecos para abordar temas complejos y universales.

Innovación y Humanidad

Uno de los aspectos más destacados de Henson fue su capacidad para innovar. No solo en términos técnicos, como el desarrollo de nuevas técnicas de marionetas, sino también en cómo abordó la narración y el contenido. Henson creía en el poder de las historias para cambiar el mundo, y sus creaciones a menudo reflejaban mensajes de aceptación, amor y comprensión.

Jim Henson: el hombre y las ideas” promete explorar estos temas en profundidad, mostrando cómo Henson veía a sus personajes como algo más que simples marionetas. Para él, eran extensiones de su propia visión del mundo: un lugar lleno de posibilidades donde la imaginación podía romper barreras y construir puentes.

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Jim Henson: el hombre y las ideas” no solo es una celebración de la vida y obra de un genio creativo, sino también una reflexión sobre cómo las ideas simples pueden tener un impacto profundo. Bajo la dirección de Ron Howard, esta película promete ser una experiencia emotiva y educativa, destacando cómo los muñecos de Henson ayudaron a hacer del mundo un lugar mejor. Con su enfoque en la innovación, la humanidad y el poder de la imaginación, Henson sigue siendo una inspiración para todos nosotros.

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TRAILER

Jim_Henson,_creator,_The_Muppets_

Photo By: Bernard Gotfryd. – Public Domain.

Henson and producer George Lucas working on Labyrinth in 1986.

Photo: By AP Wirephoto – Public Domain.

Photos: Photographer: Bernard Gotfryd, Public domain, Wikimedia Commons.
Rights Advisory: No known restrictions on publication.

Junio 08, 2024

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El excepcional trovador cubano lanzó este viernes su primer disco de larga duración en tres años. En el álbum el artista plantea sus inquietudes a través de ritmos fusionados y versos llenos de contingencia, y ya está disponible en las plataformas.

Catalina Araya

“Es difícil ponerle nombre a un disco. Primero iba a ser ‘Canciones del siglo XXI (menos una)’. Después pensé en ‘Después’. Por último, me he decidido por ‘Quería saber’. Aunque quizá debería llamarse ‘Quiero saber’, porque eso es lo que me mueve”. Hace algunas semanas, una nueva entrada del blog personal de Silvio Rodríguez -nombre imprescindible del cancionero latinoamericano- entregaba algunas luces sobre lo que sería su más reciente disco, cuyo proceso de bautismo fue descrito así por el mismo cantautor.

La espera terminó durante la mañana de este viernes 7 de junio. Tal como estaba planificado, y luego del estreno de los singles “América” y “Quería saber“, el músico liberó las 11 composiciones que forman parte de su primer álbum de estudio en tres años.

El mismo Silvio compartió detalles sobre el proceso detrás de esta placa: “La única canción que no es de este siglo es la última, o sea: ‘Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena’. Compuse esta música a principios de los 70, cuando Roberto Fernández Retamar -poeta y ensayista cubano- me pidió que hiciera un disco con poemas de Martí y le dije que no me atrevía, por la calidad de los que habían salido con la autoría de Pablo Milanés, Sara González y Amaury Pérez”.

“Entonces Roberto me sugirió que lo hiciera con poemas de Rubén, poeta y revolucionario de los años 30, que ambos admirábamos. Logré musicalizar algunos de sus versos, pero lo único que decidí mostrar fue mi acercamiento a estas dos intensas cuartetas alejandrinas, tan vigentes. Por entonces grabé una versión con Emiliano Salvador, Eduardo Ramos y Leoginaldo Pimentel, integrantes, como yo, de aquel remoto Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GES). Creo que esta nueva versión también vale la pena, por los excelentes músicos que me acompañan”, confesó sobre el origen de la onceava canción del disco.

Sobre las otras, que define como “las actuales”, compartió que las cantó “en muchos conciertos de barrio. Y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan las alas“.

La cantante y actriz chilena Carmen Prieto es una de las tantas artistas nacionales que se sienten profundamente conectadas con la música del cubano. “Mi relación con Silvio viene desde muy pequeña. Comienza luego de escucharlo, de sentirlo, a través de un disco de acetato que contenía el single “La era está pariendo un corazón”. O sea, prácticamente desde sus inicios. En mi casa se instaló también la música cubana de raíz, social, la revolucionaria, la trovadoresca. Todas esas músicas se escuchaban en mi casa, y entre esos a Silvio”, afirmó la cantautora.

En ese sentido, la primera escucha de “Quería saber” se cuadra con las emociones que le han despertado sus anteriores trabajos a lo largo de los años. “La primera sensación que me llega, que se me instala con este nuevo material de Silvio, es que la poética, su poética, se impone por sobre todas las cosas. Sus letras siguen siendo un llamado a las preguntas, a las incertezas, a la mirada global, territorial también, de este mundo que vivimos. De este siglo, él habla por ahí de este siglo un poco entristecido, sin alas. Eso es lo primero que se me viene, sus letras, sus preguntas, su insistencia en eso”.

 

Silvio de Chile

 

La cercanía del trovador con nuestro país es un hecho incuestionable. Así lo destacó el periodista y crítico de música, Marcelo Contreras: “Silvio Rodríguez es uno de los cantores internacionales más reconocidos que tiene este país con una relación larga que viene desde el tiempo de la Unidad Popular. Todo lo que él significó durante el período de la dictadura fue un refugio musical para muchísima gente. Y marcó transversalmente a la gente joven del período de Pinochet, independiente del tinte político, lo cual es bien curioso”.

Le gusta a gente de izquierda y de derecha“, agregó Contreras sobre ese último punto. “Y la verdad es que la demostración más flagrante de la capacidad de convocatoria y la popularidad que tiene en este país fue cuando él regresó a Chile terminada la dictadura. El concierto que da en el Estadio Nacional es absolutamente multitudinario. Recordemos que él dedicó una canción a lo que había sucedido en Chile tras el golpe de Estado”, afirmó referenciando a “Santiago de Chile“, uno de los grandes himnos sobre esos oscuros años. “Escuchar a Silvio Rodríguez tenía casi algo medio de rebeldía, y por otro lado conectaba muy bien con el pueblo chileno porque al menos en sus primeras etapas su música era extraordinariamente melancólica, nostálgica. Y esos son elementos que están dentro de nuestra genética”, sumó.

 

Otro punto abordado por el crítico es la permanencia en el tiempo del trabajo del cubano. Una actividad musical constante que lo posiciona a la altura de otros grandes ídolos que continúan sosteniendo una carrera prolífica a pesar de rondar los 80 años, como Paul McCartney o Caetano Veloso. 

Algo que, para Contreras, tiene que ver con el aumento de la expectativa de vida en general. “Hace 30 años se hacían chistes sobre las giras de los Rolling Stones. En ese tiempo tenían 50 años. Hoy en día, las bandas del grunch o de ese período ya son músicos que van por los 60. Red Hot Chilli Peppers, Pearl Jam. Es algo que se ha extendido en la medida en que la esperanza de vida, en general, también se extiende. También se va reflejando en estas figuras que, por cierto, varias de ellas ya han superado los períodos de exceso y se cuidan. Y están en condiciones de estar todavía en el escenario“.

“Y me parece extraordinariamente positivo en la medida en que igualmente se valora el aporte de la gente que está en plena tercera edad y que sigue activa, y que tiene la capacidad de entretener e irradiar esa energía a través del arte. Así que me parece fantástico que eso suceda”, concluyó el periodista.

Una visión que es compartida por Prieto. “Por supuesto que es importante que un músico, poeta, creador, trovador de la magnitud de Silvio siga trabajando material, canciones, sonidos, armonías, armonísticas nuevas. Nuevas y viejas a la vez, porque lo bueno de un creador como Silvio Rodríguez Domínguez es que su propio movimiento circular nos lleva de lo nuevo a lo viejo y a lo medieval de sí mismo, de su obra. Es como que un poeta dejara de escribir porque ya lo escribió todo, ya lo dijo todo. Es imposible“, reflexionó la artista.

“Todavía queda por decir, desde sí mismo, desde su recorrido, desde su acumulo. Bienvenido el nuevo material, el nuevo disco, las nuevas canciones de Silvio. Por lo demás, me quedo con dos preciosuras como ‘Ángel ciego’ y ‘Nuestro después’. Para mí, sublimes como siempre. Que sigan las nuevas canciones siempre en Silvio Rodríguez”, cerró.

Por: Catalina Araya

Foto principal: Quería saber, último disco de Silvio Rodríguez.

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Junio 07, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

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En un rincón del mundo literario, donde el miedo y la fascinación por lo desconocido se entrelazan, emerge una voz que recorre los paisajes sombríos de Chile, trayendo consigo ecos de leyendas y relatos que han persistido en la memoria colectiva. Paulo Guzmán Marín, con su libro “Almanaque Chileno de Terror”, nos invita a un viaje aterrador a través del vasto territorio chileno, desde los desiertos del norte hasta los gélidos confines del sur.

Paulo Guzmán Marín, autor del fascinante “Almanaque Chileno de Terror“, es un periodista y escritor, formado en la Universidad Finis Terrae, donde obtuvo su título en periodismo, Ha desarrollado una carrera diversificada en el mundo de la prensa escrita. Su experiencia abarca áreas tan variadas como tecnología, tendencias, política, espectáculos y gastronomía, demostrando su versatilidad y profundo conocimiento del oficio.

Guzmán Marín tiene en su haber dos novelas publicadas, consolidando su posición como un narrador hábil y multifacético. Su capacidad para entrelazar elementos culturales y sobrenaturales en narrativas cautivadoras hace de su obra una contribución significativa a la literatura chilena contemporánea.

 

En esta colección de cuentos, Guzmán Marín revive la esencia del folklore chileno, hilvanando historias de caníbales, fantasmas, supersticiones, brujas y falsos profetas, en un mosaico que refleja la riqueza cultural y el temor ancestral de un país. Hoy, tenemos el privilegio de dialogar con el autor sobre su obra, su proceso creativo y las oscuras maravillas que habitan entre las páginas de su libro.

 

Paulo, “Almanaque Chileno de Terror” es una obra que recorre todo Chile en los brazos de sus leyendas más lúgubres. ¿Qué te inspiró a escribir este libro y cómo seleccionaste las leyendas y relatos que forman parte de la colección?

Me inspiró nuestra geografía y sociedad; Chile es un país que entrega mucho material para imaginar a personas comunes en situaciones extraordinarias. Usé la ficción para confeccionar los cuentos de este libro, pero también investigué elementos del folklore local y de cada región para entregar un contexto con el que las personas se pudieran identificar.

Los paisajes rurales juegan un papel crucial en tus relatos, casi como personajes en sí mismos. ¿Cómo influyen estos entornos en la atmósfera de terror que deseas crear?

Tenemos escenarios radicales. En su supervivencia, el norte se presenta como un futuro que no queremos asumir: seco, sin horizonte geográfico y silencioso. Las ciudades también son lugares hostiles porque compartimos con miles de estímulos a diario y sin embargo, la soledad es una epidemia.

Caníbales, fantasmas, supersticiones, brujas y falsos profetas pueblan tus historias. ¿Hay alguna de estas figuras que te resulte particularmente fascinante o aterradora, y por qué?

Me gusta cuando las supersticiones y las fobias se concretan porque el mayor miedo que existe tiene que ver con poner a prueba nuestro raciocinio y sentido común, que se cumplan todas esas malas expectativas que uno siente en el estómago es lo peor que le puede pasar a una persona, más allá de lo fantasioso.

Paulo Guzmán Marín

Paulo Guzmán Marín

La infancia marcada por la pérdida y los rituales de toda índole son temas recurrentes en tu libro. ¿Qué papel juegan estos elementos en la construcción del terror en tus relatos?

No tuve una infancia particularmente marcada por la pérdida, pero creo que desde ahí todos nos vamos construyendo con ciertas dudas y mucha, pero mucha culpa: por las cosas que hicimos mal o las que no hicimos. Nunca estamos conformes. El enfrentarte y decir: “No cumplí con las pretensiones que tenía para mi vida”, te puede volver loco. Escribo mucho sobre la posición en las que nos deja la soledad.

La religión aparece siempre en primer plano en tus relatos. ¿Cómo abordas la relación entre la religión y el terror, y qué impacto crees que tiene esta relación en tus lectores?

Muchas de las personas que crecimos en los noventa lo hicimos siendo católicos y sin cuestionar mucho lo que se nos decía sobre la iglesia; había mucho miedo y castigo en los sermones. Siendo chico me llamaba la atención ir a misa por dos cosas: la primera, es que las iglesias son las únicas edificaciones lo más parecidas que podía imaginar a un castillo, y la tercera, porque las imágenes explícitas del vía crucis o las costillas de cristo sobresalientes te hacen pensar muchas cosas al respecto cuando tienes cinco años o seis años. Hay relatos de un padre, por ejemplo, que no deja de orar por dios pese a que este le quita sus hijos, envenena su ganado y quema su casa. Cosas por el estilo son una aproximación bien temprana al terror o por lo menos a las consecuencias que uno puede enfrentar si no se es buen cristiano.

Cada historia se despliega como una pesadilla viviente. ¿Podrías hablarnos sobre tu proceso creativo al escribir estos relatos? ¿Cómo logras mantener la tensión y el horror a lo largo de las narraciones?

Me gusta (y si me hace fácil), escribir a mano. Tengo un cuaderno que es sólo para anotaciones de cosas que se me ocurren o que soñé. De ahí voy dibujando un “esqueleto” con una línea central dónde imagino contexto, trama y personajes; voy abriendo cada arista antes de pasar la idea más o menos elaborada al computador. Desde ahí es ensayo y error. Pienso, en algún momento, que si un cuento me aburre o no estoy yendo en una dirección que me permita seguir concentrado entonces menos le va a gustar a quien lo lea; ahí borro y le doy otro más interesante, independiente si equivale a perder semanas de avances.

Tu libro abarca el territorio nacional de norte a sur. ¿Cómo te documentaste para asegurarte de que cada relato reflejara auténticamente las particularidades culturales y geográficas de las distintas regiones de Chile?

Me tomé muchas atribuciones porque la parte entretenida de la ficción es que no tengo que seguir las reglas al cien. No estoy escribiendo un paper o una crónica, muchos de los lugares que aparecen en el libro son inventados aunque se desarrollan en espacios geográficos reales; ahí es donde hablé con personas del lugar o leí sobre su geografía para saber más. Chile es un país tan especial que se puede hacer eso. Nuestro entorno hace posible cualquier escenario.

En “Almanaque Chileno de Terror”, invitas a los lectores a mirar lo que se esconde entre las sombras. ¿Qué esperas que los lectores sientan o reflexionen después de leer tu libro?

Me da un poco de pudor pensar en eso. Espero que se sientan conformes y satisfechos; también que se identifiquen con el entorno, y que sientan que se está haciendo más por documentar las historias de nuestro país.

El folklore y las leyendas urbanas son fundamentales en la literatura de terror. ¿Qué crees que hace que las leyendas chilenas sean únicas y dignas de ser contadas y preservadas?

Porque desde ahí viene nuestra idiosincrasia y forma de ser; somos un país que se supone, va a la deriva con su identidad, que intenta ser lo más gringo posible, con mucho shopping, auto y ese estilo de vida. Yo no creo que sea cierto, me parece que tenemos una cultura bien definida en todo sentido, la gracias es que esta cultura no es empaquetable, pero pese a eso, nos ha acompañado durante décadas e incluso siglos a través de la tradición oral.

Finalmente, ¿puedes adelantarnos algo sobre tus futuros proyectos literarios? ¿Seguirás explorando el género del terror o tienes otros géneros en mente?

Siento que todavía no termino con este género. Me gustaría continuar por esta senda por lo menos un rato y disfrutar del momento un poco aunque también estoy en un periodo muy intranquilo: quiero escribir guiones, novelas, más cuentos, tengo ganas de hacer todo, pero finalmente es el público quien decide esa senda, así que estoy muy atento a sus comentarios y críticas.

Paulo en presentación libro

A través de “Almanaque Chileno de Terror“, Paulo Guzmán Marín no solo nos ofrece una antología de relatos espeluznantes, sino que también nos invita a un profundo recorrido por el alma oscura de Chile. Con cada historia, descubrimos un nuevo rincón del miedo y la fascinación que reside en nuestras tradiciones más arraigadas.

Agradecemos a Paulo por compartir su visión y por llevarnos de la mano a explorar los rincones más tenebrosos del folklore chileno.

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