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Jim Henson es una figura icónica en el mundo del entretenimiento, conocido principalmente por su creación de los Muppets, que han dejado una marca indeleble en la cultura popular. Ahora, Disney+ nos trae “Jim Henson: el hombre y las ideas“, una nueva película dirigida por el aclamado director Ron Howard, que promete explorar no solo el legado de Henson, sino también su visión y filosofía de vida. Esta película es una oda a la creatividad, la innovación y el poder de los muñecos para hacer un mundo mejor.

Loreto Rachetti / Foto principal: Bernard Gotfryd, Public domain, via Wikimedia Commons.

El Genio Creativo detrás de los Muppets

Jim Henson comenzó su carrera en la década de 1950, y su trabajo revolucionó el uso de marionetas en la televisión y el cine. Desde el icónico Kermit the Frog hasta Miss Piggy, los Muppets se convirtieron en personajes queridos por audiencias de todas las edades. Henson no solo creó muñecos; creó universos enteros llenos de humor, calidez y humanidad. Sus programas, como “Sesame Street” y “The Muppet Show“, no solo entretuvieron sino que también educaron a generaciones de niños y adultos.

This work is from the Bernard Gotfryd collection at the Library of Congress.
According to the library, there are no known copyright restrictions on the use of this work.

Ron Howard y su Visión

Ron Howard, conocido por su habilidad para contar historias humanas y emocionales, parece ser la elección perfecta para dirigir esta película. Su enfoque promete capturar tanto el genio creativo de Henson como su impacto personal y profesional en quienes lo rodearon. Howard, con su estilo característico, probablemente ofrecerá una narración que equilibre el corazón y la mente, mostrando cómo Henson utilizó la simplicidad de los muñecos para abordar temas complejos y universales.

Innovación y Humanidad

Uno de los aspectos más destacados de Henson fue su capacidad para innovar. No solo en términos técnicos, como el desarrollo de nuevas técnicas de marionetas, sino también en cómo abordó la narración y el contenido. Henson creía en el poder de las historias para cambiar el mundo, y sus creaciones a menudo reflejaban mensajes de aceptación, amor y comprensión.

Jim Henson: el hombre y las ideas” promete explorar estos temas en profundidad, mostrando cómo Henson veía a sus personajes como algo más que simples marionetas. Para él, eran extensiones de su propia visión del mundo: un lugar lleno de posibilidades donde la imaginación podía romper barreras y construir puentes.

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Jim Henson: el hombre y las ideas” no solo es una celebración de la vida y obra de un genio creativo, sino también una reflexión sobre cómo las ideas simples pueden tener un impacto profundo. Bajo la dirección de Ron Howard, esta película promete ser una experiencia emotiva y educativa, destacando cómo los muñecos de Henson ayudaron a hacer del mundo un lugar mejor. Con su enfoque en la innovación, la humanidad y el poder de la imaginación, Henson sigue siendo una inspiración para todos nosotros.

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TRAILER

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Photo By: Bernard Gotfryd. – Public Domain.

Henson and producer George Lucas working on Labyrinth in 1986.

Photo: By AP Wirephoto – Public Domain.

Photos: Photographer: Bernard Gotfryd, Public domain, Wikimedia Commons.
Rights Advisory: No known restrictions on publication.

Junio 08, 2024

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En un rincón del mundo literario, donde el miedo y la fascinación por lo desconocido se entrelazan, emerge una voz que recorre los paisajes sombríos de Chile, trayendo consigo ecos de leyendas y relatos que han persistido en la memoria colectiva. Paulo Guzmán Marín, con su libro “Almanaque Chileno de Terror”, nos invita a un viaje aterrador a través del vasto territorio chileno, desde los desiertos del norte hasta los gélidos confines del sur.

Paulo Guzmán Marín, autor del fascinante “Almanaque Chileno de Terror“, es un periodista y escritor, formado en la Universidad Finis Terrae, donde obtuvo su título en periodismo, Ha desarrollado una carrera diversificada en el mundo de la prensa escrita. Su experiencia abarca áreas tan variadas como tecnología, tendencias, política, espectáculos y gastronomía, demostrando su versatilidad y profundo conocimiento del oficio.

Guzmán Marín tiene en su haber dos novelas publicadas, consolidando su posición como un narrador hábil y multifacético. Su capacidad para entrelazar elementos culturales y sobrenaturales en narrativas cautivadoras hace de su obra una contribución significativa a la literatura chilena contemporánea.

 

En esta colección de cuentos, Guzmán Marín revive la esencia del folklore chileno, hilvanando historias de caníbales, fantasmas, supersticiones, brujas y falsos profetas, en un mosaico que refleja la riqueza cultural y el temor ancestral de un país. Hoy, tenemos el privilegio de dialogar con el autor sobre su obra, su proceso creativo y las oscuras maravillas que habitan entre las páginas de su libro.

 

Paulo, “Almanaque Chileno de Terror” es una obra que recorre todo Chile en los brazos de sus leyendas más lúgubres. ¿Qué te inspiró a escribir este libro y cómo seleccionaste las leyendas y relatos que forman parte de la colección?

Me inspiró nuestra geografía y sociedad; Chile es un país que entrega mucho material para imaginar a personas comunes en situaciones extraordinarias. Usé la ficción para confeccionar los cuentos de este libro, pero también investigué elementos del folklore local y de cada región para entregar un contexto con el que las personas se pudieran identificar.

Los paisajes rurales juegan un papel crucial en tus relatos, casi como personajes en sí mismos. ¿Cómo influyen estos entornos en la atmósfera de terror que deseas crear?

Tenemos escenarios radicales. En su supervivencia, el norte se presenta como un futuro que no queremos asumir: seco, sin horizonte geográfico y silencioso. Las ciudades también son lugares hostiles porque compartimos con miles de estímulos a diario y sin embargo, la soledad es una epidemia.

Caníbales, fantasmas, supersticiones, brujas y falsos profetas pueblan tus historias. ¿Hay alguna de estas figuras que te resulte particularmente fascinante o aterradora, y por qué?

Me gusta cuando las supersticiones y las fobias se concretan porque el mayor miedo que existe tiene que ver con poner a prueba nuestro raciocinio y sentido común, que se cumplan todas esas malas expectativas que uno siente en el estómago es lo peor que le puede pasar a una persona, más allá de lo fantasioso.

Paulo Guzmán Marín

Paulo Guzmán Marín

La infancia marcada por la pérdida y los rituales de toda índole son temas recurrentes en tu libro. ¿Qué papel juegan estos elementos en la construcción del terror en tus relatos?

No tuve una infancia particularmente marcada por la pérdida, pero creo que desde ahí todos nos vamos construyendo con ciertas dudas y mucha, pero mucha culpa: por las cosas que hicimos mal o las que no hicimos. Nunca estamos conformes. El enfrentarte y decir: “No cumplí con las pretensiones que tenía para mi vida”, te puede volver loco. Escribo mucho sobre la posición en las que nos deja la soledad.

La religión aparece siempre en primer plano en tus relatos. ¿Cómo abordas la relación entre la religión y el terror, y qué impacto crees que tiene esta relación en tus lectores?

Muchas de las personas que crecimos en los noventa lo hicimos siendo católicos y sin cuestionar mucho lo que se nos decía sobre la iglesia; había mucho miedo y castigo en los sermones. Siendo chico me llamaba la atención ir a misa por dos cosas: la primera, es que las iglesias son las únicas edificaciones lo más parecidas que podía imaginar a un castillo, y la tercera, porque las imágenes explícitas del vía crucis o las costillas de cristo sobresalientes te hacen pensar muchas cosas al respecto cuando tienes cinco años o seis años. Hay relatos de un padre, por ejemplo, que no deja de orar por dios pese a que este le quita sus hijos, envenena su ganado y quema su casa. Cosas por el estilo son una aproximación bien temprana al terror o por lo menos a las consecuencias que uno puede enfrentar si no se es buen cristiano.

Cada historia se despliega como una pesadilla viviente. ¿Podrías hablarnos sobre tu proceso creativo al escribir estos relatos? ¿Cómo logras mantener la tensión y el horror a lo largo de las narraciones?

Me gusta (y si me hace fácil), escribir a mano. Tengo un cuaderno que es sólo para anotaciones de cosas que se me ocurren o que soñé. De ahí voy dibujando un “esqueleto” con una línea central dónde imagino contexto, trama y personajes; voy abriendo cada arista antes de pasar la idea más o menos elaborada al computador. Desde ahí es ensayo y error. Pienso, en algún momento, que si un cuento me aburre o no estoy yendo en una dirección que me permita seguir concentrado entonces menos le va a gustar a quien lo lea; ahí borro y le doy otro más interesante, independiente si equivale a perder semanas de avances.

Tu libro abarca el territorio nacional de norte a sur. ¿Cómo te documentaste para asegurarte de que cada relato reflejara auténticamente las particularidades culturales y geográficas de las distintas regiones de Chile?

Me tomé muchas atribuciones porque la parte entretenida de la ficción es que no tengo que seguir las reglas al cien. No estoy escribiendo un paper o una crónica, muchos de los lugares que aparecen en el libro son inventados aunque se desarrollan en espacios geográficos reales; ahí es donde hablé con personas del lugar o leí sobre su geografía para saber más. Chile es un país tan especial que se puede hacer eso. Nuestro entorno hace posible cualquier escenario.

En “Almanaque Chileno de Terror”, invitas a los lectores a mirar lo que se esconde entre las sombras. ¿Qué esperas que los lectores sientan o reflexionen después de leer tu libro?

Me da un poco de pudor pensar en eso. Espero que se sientan conformes y satisfechos; también que se identifiquen con el entorno, y que sientan que se está haciendo más por documentar las historias de nuestro país.

El folklore y las leyendas urbanas son fundamentales en la literatura de terror. ¿Qué crees que hace que las leyendas chilenas sean únicas y dignas de ser contadas y preservadas?

Porque desde ahí viene nuestra idiosincrasia y forma de ser; somos un país que se supone, va a la deriva con su identidad, que intenta ser lo más gringo posible, con mucho shopping, auto y ese estilo de vida. Yo no creo que sea cierto, me parece que tenemos una cultura bien definida en todo sentido, la gracias es que esta cultura no es empaquetable, pero pese a eso, nos ha acompañado durante décadas e incluso siglos a través de la tradición oral.

Finalmente, ¿puedes adelantarnos algo sobre tus futuros proyectos literarios? ¿Seguirás explorando el género del terror o tienes otros géneros en mente?

Siento que todavía no termino con este género. Me gustaría continuar por esta senda por lo menos un rato y disfrutar del momento un poco aunque también estoy en un periodo muy intranquilo: quiero escribir guiones, novelas, más cuentos, tengo ganas de hacer todo, pero finalmente es el público quien decide esa senda, así que estoy muy atento a sus comentarios y críticas.

Paulo en presentación libro

A través de “Almanaque Chileno de Terror“, Paulo Guzmán Marín no solo nos ofrece una antología de relatos espeluznantes, sino que también nos invita a un profundo recorrido por el alma oscura de Chile. Con cada historia, descubrimos un nuevo rincón del miedo y la fascinación que reside en nuestras tradiciones más arraigadas.

Agradecemos a Paulo por compartir su visión y por llevarnos de la mano a explorar los rincones más tenebrosos del folklore chileno.

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“Cuando Gregorio Samsa despertó aquella mañana, luego de un sueño agitado, se encontró en su cama convertido en un insecto monstruoso.” Con esta impactante línea, Franz Kafka inicia “La Metamorfosis,” una de las obras literarias más influyentes del siglo XX.

A 100 años de su muerte, Kafka no solo sigue siendo relevante, sino que sus obras continúan ofreciendo una profunda reflexión sobre la condición humana, el absurdo de la existencia y la alienación en la sociedad moderna.

Loreto Rachetti

1: El Hombre y su Mito

 

Franz Kafka nació en Praga, el 3 de julio de 1883, en el seno de una familia judía de habla alemana. Su vida estuvo marcada por la tensión con su autoritario padre, Hermann Kafka, cuya figura influyó profundamente en su obra. Kafka, un hombre de naturaleza introvertida y enfermiza, encontró en la escritura una forma de expresar su angustia existencial y sus sentimientos de alienación.

 

A pesar de trabajar como abogado en una compañía de seguros, Kafka dedicó sus noches a la escritura, produciendo una obra que sería publicada en gran parte de manera póstuma por su amigo y albacea literario, Max Brod. Brod, desobedeciendo el deseo de Kafka de que sus manuscritos fueran quemados, preservó y publicó novelas como “El Proceso,” “El Castillo” y la mencionada “La Metamorfosis.” Estas obras, imbuidas de una atmósfera de pesadilla y burocracia opresiva, han cimentado la reputación de Kafka como un maestro del absurdo.

 

2: El Legado de “La Metamorfosis”

 

La Metamorfosis” cuenta la historia de Gregorio Samsa, un vendedor ambulante que un día despierta transformado en un gigantesco insecto. Este relato, que explora temas de deshumanización, alienación y la lucha por la identidad en un mundo indiferente, sigue resonando en la actualidad.

La transformación de Gregorio no es solo física, sino también simbólica. Representa la pérdida de su humanidad ante una familia y una sociedad que lo rechazan por ser diferente. En muchos sentidos, la experiencia de Gregorio es un espejo de las propias ansiedades de Kafka, reflejando su sensación de ser un extraño tanto en su propia casa como en el mundo que lo rodea.

La vigencia de “La Metamorfosis” se debe en parte a su universalidad. La sensación de ser incomprendido, rechazado o atrapado en una vida sin sentido es una experiencia compartida por muchos, especialmente en la era moderna, donde la desconexión y la soledad se han exacerbado por la tecnología y las estructuras sociales.

 

3: Kafka y la Modernidad

 

El centenario de la muerte de Kafka nos invita a reflexionar sobre su relevancia en el mundo contemporáneo. Las obras de Kafka, con su exploración de la burocracia implacable, la opresión y el absurdo, son quizás más pertinentes que nunca. En una era donde la tecnología avanza a pasos agigantados, las instituciones se vuelven cada vez más impersonales y las personas sienten una creciente desconexión con la realidad, los escritos de Kafka ofrecen una lúcida crítica de estos fenómenos.

Kafka anticipó de manera inquietante muchas de las ansiedades de la modernidad. Su visión de un mundo donde los individuos se sienten atrapados en sistemas que no comprenden y que parecen estar diseñados para despojarlos de su humanidad resuena profundamente en el siglo XXI.

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Franz Kafka en 1923 (3 de julio de 1883/3 de junio de 1924)

4: Reflexión Personal

 

Como periodista y amante de la literatura, la obra de Kafka me ha ofrecido una ventana para explorar las profundidades del alma humana. Recuerdo la primera vez que leí “La Metamorfosis,” sintiendo una mezcla de horror y fascinación. La transformación de Gregorio Samsa no solo era una grotesca imagen, sino una metáfora poderosa de la alienación que muchos de nosotros sentimos en algún punto de nuestras vidas.

 

En el centenario de su muerte, la pregunta que resuena es: ¿Qué nos diría Kafka hoy? Tal vez señalaría que, a pesar de los avances tecnológicos y sociales, nuestra lucha por encontrar significado y conexión en un mundo cada vez más complejo sigue siendo la misma. Kafka nos recuerda que, incluso en medio del absurdo, la búsqueda de la verdad y la autenticidad es una batalla que vale la pena librar.

 

5: El Impacto Duradero de Kafka

 

A cien años de su muerte, Franz Kafka sigue siendo una figura central en la literatura mundial. Su obra no solo ha influido en escritores, cineastas y artistas, sino que ha permeado la cultura popular, desde referencias en series de televisión hasta inspiraciones en videojuegos. Su capacidad para capturar la esencia de la angustia humana y el absurdo de la existencia asegura que sus escritos continúen siendo leídos y estudiados por generaciones venideras.

 

Kafka, en su breve pero prolífica vida, nos dejó un legado que trasciende el tiempo. Sus historias nos invitan a reflexionar sobre nuestra propia existencia, a cuestionar las estructuras que nos rodean y a buscar un sentido en medio del caos. En un mundo que a menudo parece tan absurdo como los relatos kafkianos, su obra permanece como un faro de comprensión y humanidad.

Conclusión: Kafka, Hoy y Siempre

 

Franz Kafka, con su aguda percepción y su habilidad para capturar el absurdo de la condición humana, sigue siendo una figura fundamental en la literatura. A 100 años de su muerte, su obra no solo sigue vigente, sino que se vuelve cada vez más relevante en un mundo donde las preguntas sobre identidad, alienación y el sentido de la vida son tan pertinentes como siempre.

 

Kafka nos desafía a enfrentar nuestras propias transformaciones, a entender las metamorfosis que ocurren dentro de nosotros y en el mundo que nos rodea. Y en esa búsqueda, encontramos un espejo en el que reflejar nuestras propias luchas, nuestros miedos y, finalmente, nuestra esperanza.

illustration of Kafka’s Metamorphosis, unknown artist.

Mayo 26, 2024

Franz Kafka. Ver Más

La tercera versión de este encuentro se realizará entre el 13 y 15 de junio en Castro, isla de Chiloé, y contará con variedad de talleres, conversatorios y presentaciones en vivo de diversas artistas regionales y nacionales.

Diario Uchile

Chiloé es tierra, creación y cultura, y como tal, es el escenario perfecto para una nueva versión de DOMO, encuentro organizado por la fundación del mismo nombre que llega este 2024 en su tercera entrega y que reúne en este mágico territorio a una amplia diversidad de artistas y gestoras de diferentes partes de Chile.

El equipo de Domo está conformado por tres mujeres que han identificado la necesidad de crecer en comunidad y crear redes duraderas para compartir oficios y canciones, sobretodo para música con conexión con el territorio, las mujeres y el contenido, siempre desde una mirada hacia el goce. “Nuestro propósito es fomentar el bienestar y crecimiento de las mujeres del sur del mundo y promover la asociatividad y también la profesionalización”, comenta Caro Guttmann, directora de este encuentro.

 

La primera versión de DOMO se realizó de manera online a pesar de las complejidades de la pandemia. Posteriormente el 2021 el segundo encuentro DOMO contó con un formato híbrido. Durante el 2023 las actividades de la fundación se centraron en la realización del Concierto Colectivo Domo y del lanzamiento del primer disco DOMO, Cantoras y Autoras de Chiloé, el que se puede escuchar pinchando acá.

Esta tercera edición de DOMO nos invita a llegar hasta  la ciudad de Castro donde por tres días 23 artistas y gestoras de Chiloé, Puerto Montt, Frutillar, Valdivia y Santiago se darán cita entre el 13 y 15 de junio en conciertos en vivo, actividades educativas, paneles de conversación, talleres formativos  y espacios de encuentro, como una manera de seguir fortaleciendo la red de  mujeres músicas,  de la provincia y de la zona sur del país.

 

Entre algunas de las actividades agendadas se encuentra el conversatorio Producción con Perspectiva de Género, a realizarse en la Universidad de Los Lagos, los conciertos educativos de Vane Arrebol y Cata Efusiva que reunirá a diferentes liceos invitados, y el taller Canto a la Rueda. El encuentro contará con la presencia de destacadas artistas locales, entre las que se puede mencionar a Neddiel MuñozPastora Alfonsina y Cecilia Bahamonde,  quienes han sido por años parte de la comunidad DOMO. También estará presente la mirada desde el Wallmapu, con María Huenuñir, cantora y poeta mapuche, quien llega a inundar este encuentro con su sabiduría en relación a la educación intercultural. DOMO 2024 terminará con un concierto estelar dedicado al mundo urbano que contará con las artistas Ibelisse Neumann (Castro) y Almeyda (Santiago), quienes son las que darán el cierre al encuentro desde su propuesta musical.

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Mayo 27, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

Chile es un país con una producción literaria poderosa y de gran tradición, que hoy se ve acompañada con un efervescente panorama de publicaciones, en donde las editoriales independientes y universitarias están teniendo un rol fundamental.

Columna de opinión por Antonella Estévez
Esto no sólo en términos de editar y difundir a las y los autores contemporáneos -enriqueciendo la oferta lectora y haciendo accesibles literaturas que van más allá del catálogo comercial-, sino también haciendo un tremendo trabajo de rescate de libros de importantes creadores y creadoras chilenas que llevaban años fuera de circulación o que nunca se publicaron en Chile.

Acá algunas recomendaciones del catálogo de cuatro editoriales que están realizando un importantísimo aporte a la recuperación y difusión de letras chilenas claves.

 

La Pollera: La editorial del pollito – liderada por Simón Ergas y Nicolás Leyton- tiene un interesante catálogo de rescate patrimonial del que destacamos “La Caverna de los Murciélagos” novela fantástica del pionero cineasta Pedro Sienna, publicada en 1924 y  “Thimor” de Manuel Astica Fuentes, original de 1932 y considerada la primera novela utópica chilena. También han editado una trilogía de Juan Emar, fechada en 1923 y que incluye los libros “Regreso”, “Cavilaciones” y “Amor”. Y tres libros fundamentales de Carlos Droguett: “El enano Cocorí” -que se publicó originalmente en España en el año 1986-; una reimpresión de “El Compadre” –publicada en 1967–que incluye dos textos del autor que buscaban profundizar en el protagonista del relato, y “El hombre que trasladaba las ciudades” publicada en España en julio de 1973, y que antes de esta edición no había sido impresa en Chile.

 

Por último destacar los libros de Rosamel del Valle: “Eva y la fuga” escrita en 1930, y publicada en Venezuela en 1970, y “Elina, aroma terrestre”, publicada en Canadá el año 1983 y “Las llaves invisibles” editado por Zig-Zag en 1946, y la notable colección dedicada a la obra de Gabriela Mistral en que se da cuenta de la diversidad de sus letras y pensamiento y que incluye “Poema de Chile”, “Por la Humanidad Futura, antología política de Gabriela Mistral”, “Toda culpa es un misterio, antología mística y religiosa de Gabriela Mistral” y un maravilloso libro de más de 700 páginas que incluye sus “Recados completos”.

Alquimia es una editorial autónoma que nació oficialmente el año 2011 y que también tiene una interesante propuesta patrimonial. Hace poco publicó “Vagabunda, eso he sido. Escritos de viaje de Gabriela Mistral” el que se une a una colección que incluye varios libros que recuperan entrevistas de notables artistas nacionales, entre ellos “El canto como respuesta” de Victor Jara; “La poesía no es personal” de Gonzalo Millán y “Poeta en prosa” que reúne conversaciones con María Luisa Bombal.

 

Además, en su catálogo están “Cuentos para los hombres que son todavía niños” de Teresa Wilms Montt que fue publicado por primera vez en 1919 en Buenos Aires, bajo el seudónimo de Teresa de la † y “Jean Emar y el arte moderno en Chile. La Nación (1923-1927)” que incluye notas, artículos y críticas publicadas en el desaparecido diario La Nación entre 1923 y 1927, además Editorial Alquimia también ha publicado los Diarios de Viaje de este inclasificable intelectual chileno.

Ediciones Universidad Alberto Hurtado (UAH): En 2008 esta editorial inició su Biblioteca Chilena publicando una edición revisada y comentada de la obra completa de Baldomero Lillo. Desde ahí son diez los tomos de esta notable colección que incluyen en cada libro – además de la obra misma- un estudio crítico, la historia del texto y sus criterios editoriales, un dossier con artículos relevantes al respecto, un cuadro cronológico y una completa biografía del autor o autora referido.

 

Hasta ahora los títulos de esta colección incluyen, además del ya mencionado, dos tomos dedicados a la obra completa de Marta Brunet; “El roto” de Joaquín Edwards Bello; “El lugar sin límites” de José Donoso”; los cuentos completos de Manuel Rojas; “Zurzulita” de Mariano Latorre; “Pasión y Muerte del Cura Deusto” de Augusto D’Halmar y, más recientemente, un ejemplar que reúne “Los hombres oscuros” y “La sangre y la esperanza” de Nicomedes Guzmán.

 

Además, Ediciones UAH ha estado rescatando literatura escrita por mujeres durante el siglo XX con la colección Biblioteca Recobrada en donde cada texto es prologado por una escritora contemporánea que nos ayuda a entender el valor de esa obra en el momento de su publicación y su relevancia en la actualidad. La colección ya cuenta con diez publicaciones entre las que destacan: el notable texto “Por él” de Inés Echeverría Bello prologado por Alia Trabucco Zerán, “Los Busca-Vida” de Rosario Orrego con prólogo Daniela Catrileo y  “Galería clausurada” de Marina Latorre con una introducción de la crítica y académica Lorena Amaro.

Ediciones UDP: Dentro de la muy atractiva oferta de esta editorial se encuentra la colección Recta Provincia en donde se pueden encontrar textos que estuvieron fuera de circulación por mucho tiempo como “Según pasan los años. Allende, compañero Allende” y la trascendental novela “Patas de Perro” de Carlos Droguett; “La mampara” obra fundamental de Marta Brunet, publicada originalmente en Argentina en 1946; la mítica y experimental novela “El paradero” de Juan Balbontín escrita hacia finales de la década de los setenta, que circuló de forma clandestina y fue publicada por primera vez en 1989; “Hijo de mí”, la excéntrica obra de Antonio Gil y “El espíritu de la escalera” de Raúl Ruiz, obra que fue terminada pocos días antes de la muerte de este esencial creador nacional.

 

También de Ruiz se publicaron, hace pocos meses, los “Escritos repartidos” que reúnen artículos, discursos, conferencias y prólogos diversos escritos en distintos países a lo largo de cuatro décadas y que cuenta con selección, edición y notas de Bruno Cuneo. Por último destacar la cuidada colección de poesía de Ediciones UDP que nos ha permitido recuperar obras clave de poetas de principios del siglo XX como José Domingo Gómez Rojas y Carlos Pezoa Véliz, y libros fundamentales de grandes nombres de la poesía local como Cecilia Vicuña, Enrique Lihn, Nicanor Parra, Raúl Zurita, Gonzalo Millán, Armando Uribe, Claudio Bertoni, Rodrigo Lira y Pablo de Rokha, entre otros.

El contenido vertido en esta columna de opinión es de exclusiva responsabilidad de su autor y no refleja necesariamente la posición de Diario y Radio Universidad de Chile.

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Mayo 24, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

El académico de la U. de Chile dedicó su carrera a los diversos ámbitos de la creación, con obras de una profunda raíz social y política. El Museo de Arte Contemporáneo abre sus puertas para velar al artista este jueves entre las 15 y 20 horas.

Diario Uchile

La comunidad de la Universidad de Chile lamenta el fallecimiento del ex estudiante de las Escuelas de Teatro y Bellas Artes y docente del Teatro Experimental, Guillermo Núñez Henríquez, quien fue galardonado en 2007 con el Premio Nacional de Artes Plásticas y dirigiera el Museo de Arte Contemporáneo del plantel entre 1971 y 1972.

El egresado y académico de la Casa de Bello falleció este jueves 23 de mayo del 2024 a la edad de 94 años. MAC Parque Forestal abre especialmente sus puertas para velar y despedir al artista hoy jueves 23 de mayo entre las 15:00 y 20:00 hrs.; y mañana viernes 24 de mayo, entre las 10:00 y 14:00 hrs., tras lo cual se desarrollará su funeral de forma privada.

“Nos ha entristecido profundamente la noticia de la partida de Guillermo Núñez, un destacado y multifacético artista nacional, pero sobre todo un hombre íntegro, comprometido y profundamente generoso con su trabajo. Su vínculo con nuestra Universidad y nuestra Facultad se remonta a su época de estudiante y se mantiene vigente hasta el día de hoy, al igual que su impronta, su espíritu crítico y su propuesta artística. Su potente legado seguirá siendo custodiado y difundido por el MAC, museo que un día el mismo Núñez dirigió, desde donde sabremos resguardarlo y acercarlo a la ciudadanía”, señaló el decano de la Facultad de Artes, Fernando Carrasco. 

De enorme reconocimiento internacional, Núñez dedicó su vida fundamentalmente al desarrollo del grabado, la gráfica, la pintura, las instalaciones y el objeto. Artista multifacético, incursionó durante su larga y reconocida carrera artística en la instalación, la serigrafía y fotoserigrafía, en la escenografía y poesía, siempre centrando la mirada en el ser humano y las problemáticas sociales que lo rodean.

Los acontecimientos históricos, las guerras, las disputas políticas y sociales están presentes en sus obras como temáticas universales, deteniéndose especialmente en situaciones de violencia donde representa al ser humano con toda la intensidad de su dolor.

Lúdico e irónico, en su permanente contacto dinámico con el arte, Guillermo Núñez utilizaba la palabra escrita no sólo en libros, cuadernillos y folletos, sino que además disponía sus mensajes en el soporte, convirtiéndolos también en singulares formas pictóricas.

Su prolífica creación artística también se extendió al diseño de vestuario y escenografías para teatro, ópera y ballet. Así mismo, y en su permanente cercanía con las artes escénicas, participó activamente del Teatro Experimental de la U. de Chile, donde también asumió labores de docencia.

Arte y problemáticas sociales

 

Guillermo Núñez Henríquez nació en Santiago, en enero de 1930. En 1949 inició sus estudios en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, para luego trasladarse a la Escuela de Bellas Artes de esta misma institución, donde conformó el Grupo de Estudiantes Plásticos, agrupación que cuestionó el entonces vigente sistema académico y se propuso mejorar la educación artística del país.

Buscando profundizar su formación viajó a Francia en 1953 para estudiar en la Academia Grand Chaumiére y en la Biblioteca del Arsenal y de la Opera. En esta época conoció a Roberto Matta, una importante influencia en los inicios de su carrera artística.

Estudió grabado en UMPRUM, Alta Escuela de Artes Aplicadas de Praga y fue becado por el Ministerio de Cultura de ese país (1959). Durante esta época viajó por Europa y se relacionó con grandes artistas visuales, poetas y directores de cine de la época, para luego estudiar en Nueva York, previo a su retorneo a Chile en 1965.

En el país dibujó portadas para revistas, creó y participó de exposiciones y formó parte del equipo creativo y artístico de la campaña presidencial de Salvador Allende. En 1971 asumió el cargo de director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), hasta que fue detenido en 1974 por servicios de inteligencia, para luego partir al exilio a Francia, donde residió durante 12 años.

En su retorno a Europa, Guillermo Núñez realizó intervenciones artísticas y exhibiciones que circularon por diferentes países, hasta que en 1987 retornó a Chile de forma definitiva.

Además del Premio Nacional de Artes Plásticas que recibió en 2007,a lo largo de su carrera recibió un gran número de premios y distinciones, entre las que destacan el reconocimiento a Mejor exposición en Artes Visuales, del Circuito de Críticos de Artes de Chile en 1994; así como los Premios Altazor, en la categoría Grabado y Dibujo, en tres ocasiones (2003, 2005 y 2006).

El 10 de septiembre de 2018 y a la edad de 88 años, Guillermo Núñez inauguró en la Casa Central de la U. de Chile su exposición “Contra la muerte”, inspirada en la obra homónima del poeta Gonzalo Rojas, en recuerdo y homenaje a las víctimas de la dictadura cívico-militar.

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Mayo 23, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

El montaje, dirigido por Javiera Mendoza, tendrá una nueva temporada en el Teatro del Puente que se extenderá hasta el 2 de junio. Parte de su historia está inspirada en el caso de Lissette Villa, una niña fallecida dentro del Sename a los 11 años.

Diario Uchile

La noticia remeció al país. En abril del 2016, diversos medios nacionales constataban la muerte de Lissette Villa, una niña de 11 años que falleció tras ser asfixiada por dos funcionarias del Sename. Un caso que, tras 8 años, continúa siendo uno de los más emblemáticos en torno a los maltratos sucedidos dentro del ex-Servicio Nacional de Menores.

 

Fue por esos días que la dramaturga y actriz Belén Herrera se topó con el titular “Niña muere de pena al interior del Sename“. Así, y tomando partes de aquella historia con algunas vivencias de su infancia y adolescencia, la artista comenzó la escritura de “La reina del perreo“, una obra que da cuenta de la realidad vivida por la juventud que habita los márgenes del gran Santiago, cuyos deseos y aspiraciones fueron construidos a partir del reguetón y programas televisivos como “Yingo” y “Mekano“.

 

Me impactó la crueldad con la que se exponía y juzgaba en los medios de comunicación a la familia de la víctima sin seguir el contexto del cual provenían: una familia pobre a los bordes de la ciudad”, recordó la actriz sobre el proceso detrás del montaje. “Esto me llevó a escribir sobre ellas, alejándome de la denuncia directa al Sename y acercándome a la intimidad de una familia compuesta por un núcleo de mujeres, muy similar a la estructura en la que me crie”.

La reina del perreo, obra escrita por la dramaturga Belén Herrera.

Esa familia que los medios atacaban, era como la mía, como la de mis amigas, ya que mi historia se cruza por amigas que estuvieron en centros de Sename, con madres jóvenes que renegaron de sus maternidades, de abuelas-madres solteras, de padres ausentes, borrachos, golpeadores, de un barrio donde el narcotráfico destruyó familias, y donde el único consuelo y compañía era la tele con programas como ‘Yingo’ y ‘Mekano’, que nos permitían soñar con ser modelos, bailarinas, cantantes, y por sobre todo, soñar con ser querida por toda tu población”, agregó la dramaturga.

 

La obra fue escrita el año 2017, en el marco del Festival de Dramaturgia y Puesta en Escena Víctor Jara, de la Universidad de Chile. En ella, tres mujeres viven en una pequeña casa en un barrio “proleta” de la capital. En esta casa se escucha mucho reggaetón y cuando están tristes, lavan la loza cantando canciones de Aventura. La menor de ellas, Giselle (11), se pregunta “¿por qué me gusta tanto el reguetón?”, mientras mira a su hermana mayor, La Romi (16), que tomó la responsabilidad de cuidarla ante la constante amenaza de que caiga bajo el cuidado de un hogar del Sename.

Este 2024, el texto de Herrera vuelve a las tablas del Teatro del Puente con la dirección de Javiera Mendoza y las actuaciones de Ignacia Uribe, Paly Pavez y Vanessa Flores.

 

“Es una obra que nos hace reflexionar sobre cómo nos han enseñado a cuidar a otra persona y en la contención como necesidad básica de la humanidad. También se encontrarán con un hecho histórico, los programas de televisión de los 2000, que tomaban protagonismo en la educación y entretención, creando en ese contexto un lugar de esperanza e identidad en las personas. Avanzó la década y quedó una generación con un vacío de juventud. Hoy se recapacita sobre ‘ser alguien’ y en cómo el sistema te califica, haciendo una peligrosa segregación, ya que te imponen ese lugar para pertenecer”, señaló Mendoza sobre el abordaje de la historia.

 

Tras un exitoso estreno el pasado 18 de mayo, “La reina del perreo” tendrá funciones hasta el 2 de junio, cuyas entradas ya están a la venta en la web de Ticketplus.

Foto: La reina del perreo, obra escrita por la dramaturga Belén Herrera.

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Mayo 22, 2024

Este artículo fue publicado originalmente en Radio Universidad de Chile.

Unseen Vogue, una exposición mostrada recientemente en el Design Museum de Londres y que también está disponible como libro, es una colección de fotografías inéditas tomadas para la revista Vogue. A veces esto se debió a que eran sólo uno entre muchos y simplemente no fueron elegidos, y otras veces fue porque fueron rechazados por no ser adecuados, tal vez porque no cumplían con el encargo del director de arte o porque eran demasiado vanguardistas. Y, aunque la mayoría de las fotografías datan de después de la Segunda Guerra Mundial, lo que revelan es el cambio de actitud hacia la moda y cómo se presenta; cómo, de hecho, ha caído de su pedestal aristocrático pero sigue siendo glamorosa, especialmente en una época cuando las celebridades parecen haberse apoderado del mundo.

Así, la exposición (y el libro) comienza con una fotografía de un fotógrafo desconocido de finales de los años 1920 que muestra a la marquesa de París y dos de sus amigas vistiendo trajes de Chanel y termina con un primer plano de Angela Lindvall vestida con ropa de Gucci. Fue fotografiada por Thomas Schenk en 2001.

Este último, sorprendentemente, también está en blanco y negro. La fotografía en color, al parecer, comenzó durante la Segunda Guerra Mundial y su principal efecto parece hacer que las imágenes sean más íntimas y personales.

Unseen Vogue se basa en imágenes que fueron rechazadas.
De hecho, el valor del libro Unseen Vogue es la enorme cantidad de información contenida en sus breves capítulos y leyendas.

La existencia del archivo del que procede Unseen Vogue se debe a que la revista siempre ha conservado los derechos de autor de todas las fotografías que ha encargado, así como de algunas felices coincidencias. Por ejemplo, hay una fotografía que muestra a Cecil Beaton recogiendo todas sus impresiones para convertirlas en pulpa en 1942 en cumplimiento patriótico de una solicitud de ayuda en el esfuerzo bélico. Afortunadamente, aunque las impresiones desaparecieron, muchos de sus negativos no. Años más tarde, tras la muerte de Guy Bourdin, la obra de su vida fue encontrada en cajas de zapatos y bolsas de basura, reflejando su creencia de que su único valor estaba en las páginas de una revista. De hecho, todo el archivo de la edición francesa de Vogue para la que trabajó Bourdin se ha perdido y se cree que fue desechado como basura.

En Reigate (Inglaterra) casi les sucedió una suerte similar a las placas de vidrio tomadas por Francis Frith, un destacado fotógrafo de la segunda mitad del siglo XIX . Afortunadamente, alguien reconoció las placas por lo que eran antes de que ellas también desaparecieran.

Unseen Vogue se basa en imágenes que fueron rechazadas. Alexandra Shulman, editora de Vogue británica, da pistas en una introducción que comienza señalando que, en el pasado, los editores de arte tenían una enorme variedad de imágenes presentadas en hojas de contactos o como transparencias, mientras que hoy en día la práctica normal es para un fotógrafo. ofrecer sólo tres o cuatro imágenes. En el pasado también se destacó que la escena de la moda estaba dominada por unas pocas casas de moda, mientras que hoy en día los diseñadores individuales han adquirido importancia. Pero hay un factor que no ha cambiado: como en el pasado, Vogue trabaja con un pequeño número de fotógrafos; y, como en el pasado, la relación entre la revista y sus fotógrafos puede ser a veces tormentosa.

Hay cartas entre Cecil Beaton y la entonces editora de Vogue , Audrey Withers, sobre su decisión de “matar” toda su sesión fotográfica en 1955 sobre Qué ponerse con qué (Beaton no sabía seleccionar accesorios), así como sobre el dificultades para utilizar a John Deakin, viejo amigo de Francis Bacon, aproximadamente al mismo tiempo. Los informes sobre modelos llorando, trípodes colapsando y cámaras perdidas o empeñadas acabaron provocando su despido. También hay una carta a David Bailey de 1960 ofreciéndole un contrato siempre y cuando no trabajara para Harper’s Bazaar o Queen.

De hecho, el valor del libro sobre Unseen Vogue es la enorme cantidad de información contenida en sus breves capítulos y leyendas. Aprendemos cómo Condé Nast, fundador de Vogue , despidió y luego reintegró a Horst en la década de 1930, así como cómo Condé Nast rescató a Lee Miller de un atropello en Nueva York y luego publicó sus fotografías durante la Segunda Guerra Mundial.

Lo que hace Unseen Vogue es establecer la fotografía de moda como un tema de estudio válido, darle el lugar que le corresponde en el canon de la fotografía donde, al parecer, a menudo se la ha considerado una forma de arte menor que la fotografía de retratos, paisajes y documentales. y el desnudo femenino. Obviamente, la fotografía de moda también toca estas áreas, ya que muchas fotografías de moda se centran en el rostro e incluyen paisajes terrestres y urbanos; Las fotografías de Cecil Beaton sobre la moda de las chicas locales y las de Lee Miller sobre la moda en París después de su liberación de los alemanes proporcionan una maravillosa evidencia documental de la vida en esa época.

El otro cambio se relaciona con los propios modelos. En el pasado, incluían a la realeza (la princesa Margarita, por ejemplo, posó para Cecil Beaton en 1949), estrellas de cine y bailarinas (Marlene Dietrich, Vivien Leigh y Margot Fonteyn también posaron para Beaton, y Unseen Vogue también presenta a Ursula Andress, Raquel Welch). y Angelica Houston), escritores (hay una maravillosa foto tomada por Horst en 1946 de Gertrude Stein con su caniche mirando a una modelo con un vestido de Pierre Balmain) y numerosos aristócratas. Pero la llegada de Jean Shrimpton (fotografiado por David Bailey y Helmut Newton, entre otros) y Twiggy (fotografiado por Just Jeackin, también en los años 1960) cambió todo eso.

Hoy en día, modelos como Naomi Campbell, Kate Moss y Sophie Dahl son tan famosas como cualquiera y, como también demuestra Unseen Vogue , en ocasiones la propia fotógrafa se convierte en modelo, como en el caso de Cindy Crawford. Aun así, además de los accesorios estándar, la fotografía de moda continúa mostrando la tensión entre lo creativo y lo práctico, el mundo de los sueños y la realidad, y lo inspirador y el resultado final.

Unseen Vogue: the Secret History of Fashion Photography , editado por Robin Derrick y Robin Muir, Little Brown (sello de Time Warner), Londres 2002, £40. ISBN 0-316-86023-9